Valpofestival

martes 12 de agosto de 2008

Precios Ficvalpo 2008:

ENTRADA Público General por Función: $1.000 pesos.
CREDENCIAL-ABONO* para Estudiantes, Profesores y Tercera Edad: $2.000 pesos.
CREDENCIAL-ABONO* para Público General: $3.000 pesos.

* LA CREDENCIAL-ABONO permite ver todo el festival presentando dicha entrada especial. Disponibles en la Boletería de la Sala Cine Arte de Viña del Mar.


F U N C I O N E S G R A T U I T A S :

- Retrospectiva de Sergio Castilla en Sala Cine Arte del 23 al 30 de agosto a las 16:00 horas.
- Función Especial en Teatro Municipal de Viña del Mar el 24 de agosto a las 12:00 horas.
- Ciclo de Cine Histórico Chileno en Zócalo del Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes del 25 al 29 de agosto a las 18:00 horas.
- Joyas de Archivo Fílmico en Salón de Honor Universidad Técnica Federico Santa Maria desde el lunes 25 al viernes 29 de agosto a las 14.00 horas.

miércoles 6 de agosto de 2008

Pronto:

www.ficvalpo.cl

EN CONSTRUCCIÓN

martes 5 de agosto de 2008

PROGRAMACIÓN 2008:

CEREMONIA INAUGURAL
Lugar: Salón de Honor Colegio Alemán de Valparaíso Deutsche Haus.
Dirección: Subida Concepción 499, Cerro Concepción, Valparaíso.
Fecha: Sábado 23 de agosto de 2008
Horario: 20:00 horas
Colección Cineteca Nacional de Chile:
La Escala (1964) de Aldo Francia
Combate entre Tani Loayza y Jimmy Goodrich (1925)
Terremoto de Chillán (1939)


RETROSPECTIVA SERGIO CASTILLA
Entrada Liberada
Lugar: Sala de Cine Arte de Viña del Mar
Dirección: Plaza Vergara 142
Fecha: 23 al 30 de agosto de 2008
Horario: 16:00 horas

Sábado 23: Mijita (1970)Uno y Dos (2008)Domingo 24:Prisioneros desaparecidos (1979)Estreno en ChileLunes 25:Gentille Allouete (1985)Martes 26:La niña en la sandía (1994)Estreno en ChileMiércoles 27:Gringuito (1998)Jueves 28:Te amo (Made in Chile) (2001)Viernes 29:Bienvenida Realidad (2003)Sábado 30:Take the bridge (2007)Estreno en Chile


COMPETENCIA NACIONAL DE DOCUMENTALES
Lugar: Sala de Cine Arte de Viña del Mar
Dirección: Plaza Vergara 142
Fecha: 23 al 30 de agosto de 2008
Horario: 18:00 horas

Jurado de Competencia Nacional de Documentales 2008:

Luis Elbert (Uruguay)
Eduardo Russo (Argentina)
Isaac León Frías (Perú)
Marcelo Céspedes (Argentina)
Udo Jacobsen (Chile)
Piero Castagneto (Chile)
Armando Barría Slako (Chile)

Sábado 23:Una vida verdadera: el sacrificio de Miguel WoodwardDirectores: Andrés Brignardello y José Acevedo(75 minutos)Domingo 24:Los Blue Splendor de ValparaísoDirector: Manuel González Llanos(75 minutos)Lunes 25:El vagidoDirector: Juan Luis Tamayo(41 minutos)Martes 26:Mientras, en la oscuridad de la tierraDirector: Juan Vicente Araya(90 minutos)Miércoles 27:No todo lo que sube tiene que bajarDirectores: Yanko Rosenmann e Iván Godoy(52 minutos)Jueves 28:Por sospecha de comunistaDirectores: Cristóbal Cohen y Marcelo Hermosilla(60 minutos)Viernes 29:Cuando me amanecieraDirectores: Claudio Mercado y Gerardo Silva(68 minutos)Sábado 30:FUNCIÓN ESPECIAL 40 años de:Lunes 1, domingo 7 (1968) de Helvio SotoCopia de colección en 35mm


JOYAS DE ARCHIVO FÍLMICO
Lugar: Sala de Cine Arte de Viña del Mar
Dirección: Plaza Vergara 142
Fecha: 23 al 30 de agosto de 2008
Horario: 20:00 horas

Sábado 23:
Apuntes de la restauración de Berlin Alexanderplatz
de Juliane Lorenz (2007)
(31 minutos)
Una gran película y su historia
de Juliane Lorenz (2007)
(65 minutos)

Domingo 24:
Cortos de la Filmoteca de Catalunya, de:
Segundo de Chomón
Georges Méliès
Luis Buñuel
Versiones restauradas

Lunes 25:
Presentación de proyecto Cinemateca del Pacífico:
El príncipe Felipe visita Sudamérica de British-Pathé (1963)
y otros cortos de colección

Martes 26:
Caliche Sangriento (1969) de Helvio Soto
Versión restaurada
(120 minutos)

Miércoles 27:
La mano del muertito (1948) de José Bohr
Cineteca Nacional de Chile
Versión restaurada
(85 minutos)

Jueves 28:
Largo viaje (1967) de Patricio Kaulen
Cineteca Nacional de Chile
Versión restaurada
(90 minutos)

Viernes 29:
Hollywood es así (1944) de Jorge Délano (Coke)
Versión restaurada
(80 minutos)

Sábado 30:
Berlin Alexanderplatz, observaciones durante el rodaje
(1979) de Hans Dieter Hartl
(44 minutos)


BERLIN ALEXANDERPLATZ (1980)
de Rainer Werner Fassbinder
Versión remasterizada
Lugar: Sala de Cine Arte de Viña del Mar
Dirección: Plaza Vergara 142
Fecha: 23 al 30 de agosto de 2008
Horario: 22:00 horas

Sábado 23:
Episodio 1:
Comienza el castigo
(85 minutos)

Domingo 24:
Episodio 2:
Cómo hay que vivir cuando no se quiere morir
(59 minutos)
Episodio 3:
Un martillazo en la cabeza puede dañar el alma
(59 minutos)

Lunes 25:
Episodio 4:
Un puñado de personas en la profundidad del silencio
(59 minutos)
Episodio 5:
Un segador con el poder del buen Dios
(59 minutos)

Martes 26:
Episodio 6:
Un amor siempre resulta caro
(59 minutos)
Episodio 7: Cuidado, un juramento se puede amputar
(59 minutos)

Miércoles 27:
Episodio 8:
El sol calienta la piel, que muchas veces se quema
(59 minutos)
Episodio 9:
Sobre las eternidades entre los muchos y
los pocos
(59 minutos)

Jueves 28:
Episodio 10:
La soledad abre también en las paredes rendijas de locura
(59 minutos)
Episodio 11:
Saber es poder y Dios ayuda a quien madruga
(59 minutos)

Viernes 29:
Episodio 12:
La serpiente en el alma de la serpiente
(59 minutos)
Episodio 13:
Lo externo y lo interno y el secreto de la angustia de la angustia
(59 minutos)

Sábado 30:
Epílogo:
Mi sueño sobre el sueño de Franz Biberkopf
(111 minutos)


PRESENTACIÓN DE LIBROS SOBRE CINE
Lugar: Sala de Cine Arte de Viña del Mar
Dirección: Plaza Vergara 142
Fecha: 30 de agosto de 2008
Horario: 12:00 horas
1. Grandes ilusiones, de Eisenstein a la neo-comedia romántica de Isaac León Frías (Perú), Uqbar Editores, Santiago, 2008.
2. Hacer cine, producción audiovisual en América Latina (2008) de Eduardo Russo (Argentina), Paidos estudios de comunicaciones, Buenos Aires.
FUNCIÓN ESPECIAL 12: 45 horas:
El húsar de la muerte (1925) de Pedro Sienna
Versión musicalizada y restaurada por Sergio Bravo Ramos


CEREMONIA DE PREMIACION Y CLAUSURA
Lugar: Salón de Honor Colegio Alemán de Valparaíso Deutsche Haus.
Dirección: Subida Concepción 499, Cerro Concepción, Valparaíso.
Fecha: Sábado 30 de agosto de 2008
Horario: 20:00 horas
Exhibición documental ganador de Competencia Nacional de Documentales.


SHOAH (1985)
de Claude Lanzmann
Lugar: Sala de Cine Arte de Viña del Mar
Dirección: Plaza Vergara 142
Fecha: Domingo 31 de agosto de 2008
Horario: 11:00 a 22:30 horas

Presenta:
RICARDO LOEBELL y CARLOS LASTARRIA

I parte: 11:00 a 14.00 horas
II parte: 16:00 a 18:00 horas
III parte: 18:30 a 21:00 horas
IV parte: 21:15 a 23:30 horas

Versión remasterizada
Duración total: 566 minutos

ACTIVIDADES COMPLEMENTARIAS:

PRESENTACIÓN DE LIBROS SOBRE CINE
Lugar: Sala Cine Arte de Viña del Mar.
Dirección: Plaza Vergara 142, Viña del Mar.
Fecha: Sábado 30 de agosto
Horario: 12:00 horas.
1. Grandes ilusiones, de Eisenstein a la neo-comedia romántica de Isaac León Frías (Perú), Uqbar Editores, Santiago, 2008.
2. Hacer cine, producción audiovisual en América Latina (2008) de Eduardo Russo (Argentina), Paidos estudios de comunicaciones, Buenos Aires.
FUNCIÓN ESPECIAL
Horario: 12:45 horas.
El húsar de la muerte (1925) de Pedro Sienna
Versión musicalizada y restaurada por Sergio Bravo Ramos

TALLER DE MÚSICA Y CINE
RELATOR: JORGE ARRIAGADA
Compositor chileno radicado en Francia y autor de diversas partituras de filmes de Raúl Ruiz.
Lugar: Aula Magna Duoc UC de Valparaíso.
Dirección: Av. Brasil 2021, esquina Rodríguez, Valparaíso.
Miércoles 27 de 10:00 a 12:15 horas: Invitado Especial: Eric Goles, Premio Nacional de Ciencias.
Jueves 28 y Viernes 29 de agosto: de 11:00 a 13:30 horas.
Inscripción previa y sin costo.
Se entregará un Certificado de Asistencia para Fines Curriculares.
Las personas interesadas pueden inscribirse con LILIANA SEPÚLVEDA.
Correo: staingirl8@gmail.com

TALLER CONCIERTO-FILM
LA COMPOSICIÓN EN EL CINE MUDO
GÜNTER A. BUCHWALD (ALEMANIA)
Lunes 25 y Martes 26:
Taller cerrado para especialistas.
Ensayos en Instituto de Música PUCV.
Pilcomayo 478, esq.Templeman, Cerro Concepción, Valparaíso.
Miércoles 27 a las 20:00 horas:
Concierto Film: El Gabinete del Dr. Caligari, con músicos en vivo.
Sala Obra Gruesa PUCV.
Av. Brasil 2830, primer piso, Valparaíso.
Informaciones: sec.ejecutivargas@gmail.com

SEMINARIO DE RESTAURACIÓN FÍLMICA
Lugar: Aula Magna Duoc UC de Valparaíso.
Dirección: Av. Brasil 2021, esquina Rodríguez, Valparaíso.
Horario: 10:00 a 13:30 horas
Lunes 25:
CONFERENCIA I: Gabriel Cea, Cineteca Nacional de Chile: TECNICAS DE TINTEADO EN PELÍCULAS MUDAS.
CONFERENCIA II: Rosa Cardona, Filmoteca de Catalunya: IDENTIFICACIÓN Y CONSERVACIÓN DE MATERIALES AUDIOVISUALES ANALÓGICOS.
Martes 26:
CONFERENCIA III: Luis Horta, Cineteca Universidad de Chile: RESCATE Y RESTAURACIÓN DE SUBFORMATOS Y PELÍCULAS CASERAS.
CONFERENCIA IV: Rosa Cardona, Filmoteca de Catalunya: RESTAURACIÓN DIGITAL Y PRESERVACIÓN DEL CINE PRIMITIVO.
Inscripción previa y sin costo
Se entregará un Certificado de Asistencia para Fines Curriculares
Las personas interesadas pueden inscribirse con LUCY OPORTO.
Correo: lucyoporto@gmail.com

EXPOSICIÓN DE AFICHES SOBRE EL CINE DE RAINER WERNER FASSBINDER
Lugar: Hotel Sheraton Miramar de Viña del Mar.
Dirección: Avenida Marina Nº 15, Viña del Mar.
Fecha: Martes 19 a Domingo 31 de agosto.
Horario: Abierto todo el día.

DOC–VALPARAÍSO:

1ª Muestra Internacional de Documental de Creación
Documental Argentino Actual (Pre-estrenos)
Entrada Liberada
Lugar: Auditorio Duoc UC de Valparaíso
Dirección: Av. Brasil 2021, esquina Rodríguez, Valparaíso.
Fecha: Lunes 25 a Viernes 29 de agosto de 2008
Horario: 15:00 a 20.00 horas

Lunes 25:

15:00 horas:
Glenn Gould: Au delà du temps
Glenn Gould: Más allá del tiempo
FRANCIA, 2005, 106’
Bruno Monsaingeon

17:05 horas:
Anthem
Himno
TAILANDIA, 2006, 5’
Apitchapong Weerasethakul

17:10 horas:
Scènes de chasse au sanglier
Escenas de la Caza del Jabalí
BÉLGICA-FRANCIA, 2007, 46’
Claudio Pazienza

18:30 horas:
Eux et moi
Ellos y Yo
FRANCIA, 2001, 63’
Stéphane Breton

Tiempo Total: 03:40 horas


Martes 26:

15:00 horas:
Caja Cerrada
(Pre-Estreno)
ARGENTINA-ESPAÑA,
2008, 72’
Martín Solá

17:05 horas:
Vers Mathilde
Hacia Mathilde
FRANCIA, 2004, 83’
Claire Denis

18:30 horas:
Le ciel dans un jardin
El Cielo en un Jardín
FRANCIA, 2003, 62’
Stéphane Breton

Tiempo Total: 03:37 horas


Miércoles 27:

15:00 horas:
Regreso a Fortín Olmos
(Pre-Estreno)
ARGENTINA,
2008, 104'
Patricio Coll y Jorge Goldenberg

17:05 horas:
Reichsautobahn
Autopista del Reich
ALEMANIA, 1986, 88’
Hartmut Bitomsky

18:30 horas:
Un Eté silencieux
Un Verano Silencioso
FRANCIA, 2005, 53’
Stéphane Breton

Tiempo Total: 04:05 horas


Jueves 28:

15:00 horas:
Eric Rohmer: Preuves a L'appui
Eric Rohmer: Con todas las pruebas
FRANCIA, 1994, 116'
André S. Labarthe

17:05 horas:
Voyage en Sol Majeur
Viaje en Sol Mayor
FRANCIA, 2006, 52’
Georgi Lazarevski

18:30 horas:
Le Monde Exterieur
El Mundo Exterior
FRANCIA, 2007, 56’
Stéphane Breton

Tiempo Total: 03:44 horas


Viernes 29:
10:00 horas: PANEL
Participan los especialista argentinosEduardo Russo y Marcelo Céspedes,
moderando el documentalista chileno Cristóbal Vicente.

15:00 horas:
Chronique d'un été
Crónica de un Verano
FRANCIA, 1960, 86’
Jean Rouch

17:05 horas:
Mosso Mosso: Jean Rouch comme si
Jean Rouch como sí
FRANCIA, 1998, 73’
Jean-André Fieschi

17:10 horas:
Anthem
Himno
TAILANDIA, 2006, 5’
Apitchapong Weerasethakul

18:30 horas:
The Halfmoon Files
Los archivos de la Medialuna
ALEMANIA, 2007, 86’
Philip Scheffner

Tiempo Total: 03:40 horas


Más información:

http://www.docvalparaiso.cl/

FICHAS TÉCNICAS Competencia Nacional de Documentales

Sábado 23
Una vida verdadera: el sacrificio de Miguel Woodward (2007)
Dirección: Andrés Brignardello, José Acevedo
Producción: Juan Pablo Echeverría
Cámara: José Acevedo Olivares
Guión e Investigación: Andrés Brignardello Valdivia
Sonido: Jorge Acevedo
Post producción Audio: Rodrigo Bravo
Música original: Leonardo Fontecilla
Músico invitado: Pedro Aznar
Gráfica: Felipe González
País: Chile
Duración: 75 minutos

Para mantener viva la memoria de Miguel Woodward, sacerdote chileno-británico que murió a causa de las torturas recibidas mientras era interrogado en el Buque Escuela Esmeralda en los días posteriores al golpe militar del año 1973, el relato se interna en las motivaciones y sueños del sacerdote de vivir un cristianismo cercano a los más pobres. Basado en el libro del escritor inglés Edgar Crouzet: “Blood on the Esmeralda”.

Domingo 24
Los Blue Splendor de Valparaíso (2007)
Dirección: Manuel González Llanos
Producción: Daniel Véliz Alcaíno
Producción de Campo: Susana Gómez Llanquileo
Producción Técnica: Daniel Rebolledo Parra
Asistente Dirección: Sebastián Cisternas Arancibia
Cámara: Anahi Johnsen Sucarrat
Dirección de Fotografía y Cámara: Francisco Gómez Machuca
Sonido directo y post-producción de audio: Boris Lobos González
Guión: Manuel González Llanos e Iván Morales Vega
Montaje: Anahí Johnsen Sucarrat
Asistentes de Producción: Iván Alejandro Morales Vega, Tomas Utillano Martínez y Eric Carreño Fernández
Compañía Productora: Kithano Films
País: Chile
Formato: DV, mini DV, color, sonido stereo
Duración: 75 minutos

Historia homenaje a la banda más popular de Valparaíso durante los años “60”: “Los Blue Splendor”, íconos musicales del puerto y voz de una época dorada en Valparaíso. A través de diversos callejones, personajes, aventuras, recitales y anécdotas nos reencontraremos con una generación cercana a dejar de existir, que recuerda con anhelo la adolescencia y que mantiene viva la “mítica” esencia del porteño.



Lunes 25
El vagido (2008)
Dirección: Juan Luís Tamayo
Producción: Renata Miranda
Cámara: Sebastián Castro Contreras
Dirección de Arte: Vanesa Cornejo Muñoz
Guión: Eduardo Ledesma, Juan Luís Tamayo
Sonido-Montaje: Mauricio Bustamante Jiménez
País: Chile
Formato: mini DV, color, sonido stereo
Duración: 41 minutos

Oscar Ponce, un ex pescador alcohólico, tiene el único recuerdo de no haber gritado al nacer. Su conciencia se debate entre la realidad y el sueño, emprendiendo un viaje que lo condenará por un extraño hecho del pasado.


Martes 26
Mientras, en la oscuridad de la Tierra (2008)
Dirección: Juan Vicente Araya
Producción: Juan Vicente Araya
Sonido: Juan Vicente Araya
Montaje: Juan Vicente Araya
Formato: Mini DV (NTSC)
Duración: 90 minutos

Es un retrato personal nacido a partir de visitas al pueblo minero Andacollo y sus alrededores. Se trata de la realización de una experiencia que busca su manera de poder contar el lugar y cierta vida de sus habitantes, evitando lo más posible la utilización de la palabra hablada, privilegiando así las imágenes y otros sonidos que de este territorio surgen.


Miércoles27
No todo lo que sube tiene que bajar (2007)
Dirección: Yanko Rosenmann, Iván Godoy
Producción: Aconcagua Cine TV Producciones
Coproducción: Universidad ARCIS
Guión: Iván Godoy, Yanko Rosenmann
Música original: Juan Carlos Zagal
Montaje: Raúl Cruz Gabe, Pablo Saavedra, Pepe Torres
Fotografía: Pedro Micelli
Sonido directo: Viviana Valenzuela, Pedro Ormeño
Posproducción Sonido: Alfonso Mayor (ARCIS)
Producción Francia: Embajada de Francia en Chile. Isella Ugarte (París)
Producción Alemania: Embajada de Alemania en Chile. Goethe Institut
Distribución: Oficina Bravo. Gestión Cultural
Formato: Video Digital. DVcam 16:9
Duración: 52 minutos

La historia del más perdido de todos los chilenos, el documental replica 93 años después de la desaparición de Bello, el vuelo en búsqueda del imaginario punto de no retorno (PNR). En el trayecto más de una quincena de voces, incluyendo a 4 Premios Nacionales, hipotetizan desde la literatura, el arte, la física, la biología, la psiquiatría, la astrología, o el simple cotidiano, acerca de los posibles destinos de Bello.



Jueves 28
Por sospecha de comunista (2007)
Dirección: Cristóbal Cohen, Marcelo Hermosilla
Duración: 60 minutos

Esta es la historia de Leonel Badilla Aroca, indigente conocido en la comuna de Ñuñoa, Santiago. A los diez años, es obligado a abandonar su casa en Temuco. En su juventud trabajó de vendedor ambulante y programador radial, se casó y tuvo tres hijas.
El 11 de Septiembre de 1973 fue detenido y llevado al Estadio Nacional. Esta es la historia de un indigente que debe caminar nueve horas diarias para sobrevivir.


Viernes 29
Cuando me amaneciera (2007)
Dirección: Claudio Mercado, Gerardo Silva
Investigación etnográfica: Claudio Mercado
Formato: Mini DV/68
Duración: 68 minutos

Fragmentos de las vidas de cinco guitarroneros de Pirque, van tejiendo una trama que devela distintos aspectos relacionados al canto a lo divino: versos, entonaciones, toquíos, rituales, enseñanzas y aprendizajes, tradición y modernidad. Resultado de ocho años de investigación.

FRANJAS ESPECIALES:

FUNCIÓN ESPECIAL
Entrada Liberada
Lugar: Teatro Municipal de Viña del Mar
Dirección: Plaza Vergara s/n.
Fecha: Domingo 24 de agosto de 2008
Horario: 12:00 horas

Maridos Ciegos (1919)
de Eric Von Stroheim
con música de piano en vivo a cargo de Gunter A. Buchwald


JOYAS DE ARCHIVO FÍLMICO
Entrada Liberada
Lugar: Salón de Honor Universidad Técnica Federico Santa Maria
Dirección: Avenida España 1680, Valparaíso.
Fecha: Lunes 25 a Viernes 29 de agosto de 2008
Horario: 14:00 horas

Lunes 25:
Panel de introducción con Luis Elbert (Uruguay)
Sinfonía Donbassa (1930)
de Dziga Vertov
(65 minutos)
Versión restaurada

Martes 26:
El rey de los mediocampistas (1927)
de Fritz Freisler y Zoltan Korda
(95 minutos)
Versión restaurada

Miércoles 27:
Nathan, el sabio (1922)
De Manfred Noa
(122 minutos)
Versión restaurada

Jueves 28:
Los once diablos (1927)
de Zoltan Korda
(98 minutos)
Versión restaurada

Viernes 29:
Gente en domingo (1930)
de Robert Siodmak y Edgar G. Ulmer
(74 minutos)
Versión restaurada


CICLO DE CINE HISTÓRICO CHILENO
Entrada Liberada
Lugar: Zócalo del Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes
Dirección: Plaza Sotomayor 233, Valparaíso.
Fecha: Lunes 25 a Viernes 29 de agosto de 2008
Horario: 18:00 horas

Presenta:
ODETTE HIDALGO
Coordinadora del Proyecto de Restauración Digital

Lunes 25:
Cortos de Helvio Soto:
Yo tenía un camarada (1964)
El analfabeto (1965)
Ana (1965)
Cineteca de Universidad de Chile
Versiones recobradas

Martes 26:
Armando Sandoval pionero del cine chileno
Introducción a cargo de Odette Hidalgo,
coordinadora del proyecto de restauración digital
Panoramas sureños
RE-ARMANDO
(26 minutos)

Miércoles 27:
Armando Sandoval:
Proclamación de Ibañez en Valdivia y Rio Bueno
(3 minutos)
Entronización del obispo Francisco Valdes Subercaseux
(5.57 minutos)
La cruz púrpura
(49 minutos)
Versiones restauradas

Jueves 28:
Armando Sandoval:
Funerales de Gabriela Mistral
(19.17 minutos)
Puerto Montt, cien años en la vida de un pueblo
(7.13 minutos)
Lepún, aborigen
(10 minutos)
El último cuatrero
(11.20 minutos)
Versiones restauradas

Viernes 29:
Río abajo (1944)
de Miguel Frank
(80 minutos)
Versión restaurada


CICLO DE CINE PARA NIÑOS
Entrada Liberada
Lugar: Teatro Municipal de Casablanca
Dirección: Portales 2, Casablanca
Fecha: Lunes 25 a Viernes 29 de agosto de 2008
Horario: 11:00 horas

Lunes 25:
El Tesoro del Pequeño Muco (DEFA, 1953)
Wolfgang Staudte

Martes 26:
El Sargento Pepper (2003/2004)
Sandra Nettelbeck

Miércoles 27:
Volar a Ciegas (2003)
Bernd Sahling

Jueves 28:
La Balsa y el Pollo (1983)
Arend Agthe

Viernes 29:
Niños de la Luna (2006)
Manuela Stacke

domingo 3 de agosto de 2008

Concurrentes 2008

viernes 1 de agosto de 2008

Fondos 2008

lunes 21 de julio de 2008

SELECCIÓN OFICIAL

COMPETENCIA NACIONAL DE DOCUMENTALES
FICVALPO 2008

El comité curatorial del Festival Internacional de Cine de Valparaíso informa de la selección oficial de la Competencia Nacional de Documentales 2008:

Recibidos 34 trabajos, se procedió a dejar siete obras en competencia, en funciones programadas a las 18:00 horas en el Cine Arte de Viña del Mar entre el sábado 23 y el viernes 29 de agosto. La ceremonia de premiación se realizará a las 20:00 horas del sábado 30 de agosto.
El comité curatorial informa que no se consideró el documental Circunstancias especiales de Marianne Teleki, ya que las bases establecen solamente películas dirigidas por directores(as) nacionales o extranjeros con dos años de residencia en Chile.
Los trabajos no seleccionados se devolverán por correo expreso, trámite a cargo del coordinador audiovisual Marcos Henríquez, fono 7/6467359: marcoshenriquez.c@gmail.com . El festival se comunicará con los documentalistas seleccionados.

Calendario de exhibiciones:

Sábado 23 de agosto
Una vida verdadera: el sacrificio de Miguel Woodward
Directores : Andrés Brignardello y José Acevedo

Domingo 24 de agosto
Los Blue Splendor de Valparaíso
Director: Manuel González Llanos

Lunes 25 de agosto
El vagido
Director: Juan Luis Tamayo

Martes 26 de agosto
Mientras, en la oscuridad de la tierra
Director: Juan Vicente Araya

Miércoles 27 de agosto
No todo lo que sube tiene que bajar
Directores: Yanko Rosenmann e Iván Godoy

Jueves 28 de agosto
Por sospecha de comunista
Directores: Cristóbal Cohen y Marcelo Hermosilla

Viernes 29 de agosto
Cuando me amaneciera
Directores: Claudio Mercado y Gerardo Silva

Comité curatorial:

Alfredo Barría
Juan Ignacio Corces
Jaime Córdova

Valparaíso, 21 de julio de 2008.

lunes 7 de julio de 2008

Bases Competencia Nacional de Documentales

1. El 12° Festival Internacional de Cine Valparaíso, a desarrollarse entre el 23 y el 31 de agosto de 2008, abre la franja Competencia Nacional de Documentales, orientada a los realizadores chilenos especialistas en el género.
2. El Festival consagra un Premio al Mejor Documental, consistente en dos millones de pesos además de El Santiaguillo, carabela en bronce que representa la llegada de los españoles a las costas de Valparaíso. También habrá cuatro Diplomas, el Premio Nieves Yankovic a la Mejor Investigación Documental, el Premio Rafael Sánchez a la Mejor Edición Documental, el Premio Jorge Müller a la Mejor Fotografía Documental y el Premio Jorge Di Lauro, al Mejor Sonido Documental. Estos premios los determina un jurado compuesto por siete personalidades del mundo cinematográfico internacional.
3. Podrán participar en la competencia los documentales hechos por directores chilenos o extranjeros con más de dos años de residencia en el país. También se aceptan producciones realizadas en otros países y dirigidas por cineastas chilenos. Se permiten todos los formatos digitales actualmente vigentes.
4. Los interesados podrán enviar sus copias directamente a la sede Viña del Mar del Duoc UC, Alvares 2366, Chorrillos, Viña del Mar en un sobre dirigido a Roberto Paulsen, director de Comunicación Audiovisual, fono 32-2268620, correo electrónico: rpaulsen@duoc.cl, para ser revisadas por el comité de preselección. El material debe incluir la ficha técnica de la obra, con los datos e identificación del equipo realizador. La fecha de entrega de los trabajos vence el viernes 4 de julio de 2008 a las 17:00 horas.
5. La selección oficial será informada a los participantes y difundida en http://www.valpofestival.blogspot.com/ a partir del lunes 21 de julio de 2008. Los postulantes no seleccionados recibirán la devolución de sus materiales. Las copias de exhibición deberán estar en la sede de Viña del Mar de Duoc UC el lunes 4 de agosto de 2008.
6. El comité de preselección priorizará los trabajos inéditos, recién estrenados o con escasas exhibiciones en la región de Valparaíso.
7. Todas las eventualidades derivadas de la interpretación de las bases, serán resueltas por la dirección ejecutiva del festival.

Valparaíso, abril de 2008.

miércoles 30 de abril de 2008

Versión 2008

12ª versión:

Entre el 23 y el 31 de agosto de 2008.

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Virgenes Suicidas

Vivir entre el intenso aroma del talento no garantiza que el arte brote de tus manos, ojos y boca. La fragancia del arte es caprichosa, danza por el aire, se posa en unas pocas personas, no pasa de padres a hijos. Pero hay veces que por sorpresa ese intenso perfume, que transforma la mente de aquel a quien toca, traza un pequeño recorrido y apenas en unos metros, como una herencia, fija su destino. Sofía Coppola quedó impregnada y las Vírgenes Suicidas fue su primera demostración de su intenso y fragante perfume de talento.

Quizás su primer acierto fue llevar al cine la estupenda novela de Jeffrey Eugenides y transportar a la pantalla la melancolía del ocaso que habitan sus páginas. La desgracia se esconde a veces bajo hermosos rostros, rubias melenas al viento y ojos de azul infinito. La desgracia habita a veces en grandes casas de extensos jardines, donde el manto de las hojas del otoño esconde el césped. La desgracia es a veces una reluciente manzana con un gusano acechando dentro.

Mientras veía la película deseé y no deseé ser vecino de las Lisbon. Deseé que Lux (Kirsten Dunst) me hiciese martillear el corazón al clavar sus ojos en mí mostrándome el odio y el amor eterno. Deseé ser invitado a la única y última fiesta que se realizó en casa de los Lisbon y bailar haciendo girar a una hermana, su melena dorada, su blanco vestido. Deseé acercarme con paso tembloroso y llamar a la puerta del despacho del padre (James Woods) y pedir una cita con su hija, como si pidiese un pedazo de cielo. Y desafiar la poderosa mirada de la madre (Kathleen Turner) con la intrepidez que sólo tiene un enamorado de quince años. Y, a la vez, deseé escapar del embrujo de aquellas cinco muchachas, olvidarlas, mandarlas lejos. Porque sabía que corría el riesgo de como aquellos muchachos, vecinos de las Lisbon, de despertarme años después con la garganta seca, el corazón palpitando y la mente llena de aquellos ya inalcanzables infinitos ojos azules. Hay bellos olmos muertos por dentro.

Juan Fondevila

www.muchocine.net

18 agosto 2008

Ruiz y Ciudadano Kane

ANÁLISIS CINEMATOGRÁFICO DE CIUDADANO KANE

IR A CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA

Orson Welles tuvo absoluta libertad para escoger a sus colaboradores, tener esto en cuenta es vital para analizar la película. Por un lado se apoyó en colaboradores que ya conocía, esto fue muy patente a la hora de escoger a sus actores, en su mayoría actores del Mercury Theater, su propia compañía, que tenían una experiencia nula en el cine pero que tenían la confianza de Wells (asimismo el que fueran inexpertos en el cine le daba confianza a Wells, ya que no verían sus errores e inseguridades). También contó con actores que no eran de su compañía, como en el caso del papel de primera esposa y en el de Susan Alexander. El principal beneficiado fue Joseph Cotten, su actuación de Leland, el mejor amigo de Kane, con su transformación física, le granjeó buena fama y se convirtió en un importante galán del cine en los 40 y 50. Otro colaborador que por aquel entonces estaba fuera del mundo del cine era el músico Bernard Herrmann, en aquella época trabajaba en la radio, Herrmann trabajó mucho los detalles minúsculos del sonido y la grabación se desarrolló de una forma inaudita, se grababa la música al mismo tiempo que se iban rodando los rollos, con ello se pretendía que la música estuviera totalmente integrada en la imagen, incluso el montaje de algunas escenas tuvieron que adaptarse a la música grabada. Todos sabemos que Bernard Herrmann terminaría siendo uno de los músicos más importante, admirados y característicos del séptimo arte. Otro colaborador fue el guionista Herman J. Mankiewicz, este conocía personalmente a William Randolph Hearst, personaje en el que estaba básicamente basado el personaje de Charles F. Kane, lo que le proporcionó una incalculable base de datos personales para caracterizar al personaje. El guión fue reescrito en numerosas ocasiones, y Welles fue dándole su propia personalidad. Su estructura es circular, el inicio y el final están directamente relacionados tanto en la forma como en el fondo, la cámara se acerca a una mansión y los espectadores son los únicos testigos de cómo Kane dice su última palabra: Rosebud, asimismo al final los espectadores serán los únicos que conozcan el significado de la palabra y se volverán a alejar de la mansión. En la película nos encontramos dos hilos argumentales bien diferenciados: La aparente trama principal (la búsqueda del significado de Rosebud) y la aparente trama secundaria (la vida de un personaje carismático y soñador que embrutecido por el dinero y el poder se convierte en un ser inhumano, déspota y patético). La supuesta trama principal no es más que una excusa para que se desarrolle la trama secundaría, la que realmente interesa al autor y al espectador, es lo que Hichcock llamaba un McGuffin. La trama de la búsqueda del misterio tiene un desarrollo lineal, aparte de tener una duración escasa en el metraje. La vida de Kane tiene un desarrollo fragmentado y subjetivo, construido a base de flashbacks, aquellas personas que conocieron al poderoso magnate nos van explicando como fue su experiencia. Con cada una de las entrevistas se da una visión diferente del protagonista, tanto porque van narrando con cierto orden cronológico el desarrollo del personaje como porque cada uno de ellos tiene una relación y una opinión distinta de Kane. Para que no nos perdamos en este complejo desarrollo de la trama Welles monta antes de que comiencen las entrevistas un noticiario que resume brevemente la vida de Kane, narrándonos de forma simple y aparentemente inocente los "capítulos" de su vida que luego se desarrollarán subjetivamente. Para realizar este noticiario Welles copió el formato de los noticiarios cinematográficos "News of the world", las imágenes que daban una información más antigua de la vida de Kane debían estar en malas condiciones debido al paso del tiempo, así que Welles pisó el negativo para erosionar la imagen.

¿Cómo un inexperto pudo hacer una obra maestra? No todo debe imputarse a la genialidad, también tuvo mucho que ver que dispusiera del apoyo de gente con una importante experiencia en el cine y con ganas de probar cosas nuevas. Por ejemplo Perry Ferguson, director de arte, que trabajó muy estrechamente con Welles en la preparación de los decorados, a los que el director daba gran importancia, tanto por su experiencia teatral como por la importancia compositiva que adquirían debido a la profundidad de campo, el decorado se convirtió en uno de los principales medios para focalizar la atención de la vista del espectador (el principal fue la luz, pero de eso escribiré en breve). Otro detalle relacionado con los decorados es que es la primera película sonora en incluir techos en sus decorados, la aplicación continua de fuertes contrapicados (la cámara situada debajo de la imagen enfocada y fijada hacía arriba) y los angulares con profundidad de campo obligaron a su utilización, algo que no se hacía desde el cine mudo.
Para montar una historia de desarrollo tan complejo y (aparentemente) desordenado se requería la colaboración de un montador hábil y experto, labor que recayó en un joven Robert Wise, Welles tuvo un control total del montaje y supervisó directamente a Wise. Robert Wise terminó siendo un director de cine reconocido, dirigiendo entre otras "Ultimátum a la tierra", "Marcado por el odio", "West side story" y "Sonrisas y lagrimas".
Pero si a alguien se le atribuye una enorme influencia sobre el resultado final de "Ciudadano Kane", y casi me atrevería a asegurar al cine que realizó Orson Welles durante su carrera, ese es Gregg Toland, reputadisimo director de fotografía. Por aquel entonces acababa de triunfar al recibir un Oscar a la mejor fotografía por "Cumbres borrascosas", pero estaba descontento con la industria de Hollywood, ya que no le permitían desarrollar todas las ideas que tenía en mente porque eran demasiado novedosas. Parece ser que al enterarse de que a un provocador nato e inexperto le habían dado libertad total creativa, él mismo se propuso personalmente para realizarle la fotografía, por supuesto Orson Welles aceptó. La relación entre Toland y Welles era muy cercana a la de un maestro y su alumno aventajado, se reunieron frecuentemente y durante mucho más tiempo que el frecuente para preparar un largometraje, Toland le daba clases a Welles sobre luz, ópticas y todo lo que estuviera relacionado con la fotografía, fue en estas "clases" en las Toland fue introduciendo en Welles sus propias inquietudes, imágenes deudoras del expresionismo alemán (la sombra de F. W. Murnau es muy larga) con fuertes contrastes entre sombras y luces, la utilización de ópticas gran angulares, angulaciones muy pronunciadas (con gran peso de los contrapicados) y la característica visual más recordada de "Ciudadano Kane": la profundidad de campo. Toland ya había trabajado la profundidad de campo con John Ford con buenos resultados, pero quería llegar más lejos, todas las imágenes de "Ciudadano Kane" están supeditadas a la profundidad de campo, esto generaba nuevos problemas. Con las ópticas habituales era muy fácil controlar el centro de visión del espectador, solo había que enfocar lo importante y desenfocar lo superfluo, con la profundidad de campo todo queda enfocado, así que había que dirigir la vista del espectador hacia donde interesaba al director de otras formas más complejas y sutiles, optaron por realizar un elaborado trabajo de decorados (al verse el decorado en todo momento con total claridad, este tiene una importancia incluso mayor que en la mayoría de películas), también optaron por dar una gran importancia al desarrollo de luces y sombras, tanto a nivel dramático como narrativo, el ejemplo más claro lo encontramos en "Xanadu", la enorme mansión/castillo en la que Kane pasa sus últimos años, las sombras son inteligentemente usadas para hacer ver que las habitaciones del castillo son mucho más grandes de lo que realmente son los propios decorados donde se esta rodando, esta utilización de luces y sombras, de grandes angulares, etc... se convertirían en una constante en el cine de Welles, uno de los directores más barrocos y retorcidos de la historia del cine.
Pero tampoco hay que exagerar el poder de influencia que pudieran tener sobre Welles, la película responde plenamente a sus inquietudes: por ejemplo su tendencia a los planos largos, en ocasiones rozando el plano secuencia, huyendo deliberadamente de las relaciones plano contraplano, esto quizás pueda tener alguna relación con los orígenes teatrales de Welles, cuantos menos cortes más libertad y linealidad tiene la actuación del actor, pero los planos largos son muy complejos, requieren ser preparados detalladamente, otra de las características del cine de Welles. Incluso la influencia que pudo tener Toland en esa visualización expresionista es discutible, o como mínimo matizable, Welles en su juventud rodó un cortometraje directamente influenciado por "El gabinete del Doctor Caligari", la película más expresionista del expresionismo alemán. Además hay que considerar que toda su filmografía esta trufada de numerosas características netamente expresionistas: Interpretaciones excesivas, personajes atormentados, contrastes de luces y sombras muy marcados, posicionamientos de cámara imposibles,...

LA HISTORIA DE CIUDADANO KANE (ANECDOTAS)

"Ciudadano Kane es el film que más vocaciones cinematográficas ha despertado" Francois Truffaut

Orson Welles llegó a Hollywood siendo considerado un joven genio, fama que él mismo había disfrutado alimentando. Se gano cierto prestigio formando el "Mercury Theatre", asociado con J. Houseman y auspiciado por el "Federal Theatre" (la notable "Abajo el telón (Cradle will rock)" de Tim Robbins hace eco del fin de esta época dorada del teatro publico en EEUU). Welles se gana renombre con provocativas adaptaciones de Shakespeare, por ejemplo con una versión vudú de Macbeth ambientada en Tahiti, o con una versión pseudo-fascista (por su característico vestuario) de "Julio Cesar". Pero lo que realmente le otorga una importante fama a nivel nacional son sus trabajos en la radio, junto con la Mercury Theatre, la radio en los años 30 era tan importante socialmente como hoy lo puede ser la TV. Welles puso la voz en una radio-serie de cierta fama "La sombra (The shadow)", un personaje de cómic que en los 90 también tuvo su película. Pero su fama se granjeo de forma definitiva y absoluta a partir de una representación radiofónica de "La guerra de los mundos" de H. G. Wells, para hacerlo más realista aparentó realizar un programa radiofónico "normal" que era constantemente cortado por boletines y avisos informativos de máxima urgencia, al comienzo esos avisos hablaban de unas extrañas luces lejanas y finalmente hablaban de una invasión extraterrestre en toda regla. Al inicio de la representación tuvo que avisar que todo era ficticio, pero aquellas personas que no oyeron ese aviso creyeron que la invasión era de verdad, así que se dieron situaciones de pánico en numerosas ciudades de EEUU, millones de personas creyeron que la invasión era autentica. Millones de americanos se indignaron, pero se hizo enormemente famoso, algo que Hollywood no podía dejar escapar. El más rápido fue George J. Schaefer, presidente de la RKO, que le ofreció un sueldo inimaginable para un director novato y todo el poder creativo para realizar dos películas (montaje incluido, algo inaudito en la industria). Esto provocó malestar en los profesionales de Hollywood, y que Welles jamás fuera aceptado como uno de los suyos.
Inicialmente Welles intentó dirigir "El corazón de las tinieblas" de J. Conrad, pero no le fue posible (La versión fílmica más importante del libro es la que décadas después realizará Francis Ford Coppola: Apocalipsis Now), finalmente se decidió por otro proyecto titulado "Americano" y que finalmente se llamaría "Ciudadano Kane".
Una anécdota: Welles, ya fuera por admiración personal o por influencia de Gregg Toland (Director de fotografía), vio y estudió "La Diligencia" de John Ford varías decenas de veces para aprender lenguaje cinematográfico.
"Ciudadano Kane" seguía la vida de un poderoso magnate de la comunicación, para ello utilizaron detalles de varios magnates de la realidad como por ejemplo Howard Hughes, pero la base fue fundamentalmente William Randolph Hearst, Welles siempre negó este paralelismo, pero era demasiado obvio: "Xanadu" el hogar de Kane es muy parecido a la mansión de Hearst "San Simeon", la afición de Kane por las estatuas también la tenia Hearst, asimismo Hearst logro su poder gracias a realizar una prensa sensacionalista, incluso fue uno de los principales artífices de la guerra para la liberación de Cuba del gobierno español. No se acaban aquí las semejanzas, Hearst también tuvo una carrera política que acabó fracasando, y su mujer Marion Davies tenía muchos parecidos con la Susan Alexander de Kane, Davies no era cantante, era una actriz de segunda fila con la carrera cinematográfica pagada por su "protector y marido", sus fiestas en Hollywood son de las más recordadas e influyentes de la época, a Davies también le encantaban los puzzles (Hay que decir a favor de Davies que nunca abandonó a Hearst, ni siquiera en su decadencia económica y que estuvo a su lado hasta su muerte). Pero lo más increíble es el significado que tenía para Hearst la palabra "Rosebud", era como llamaba al sexo de su mujer Davies en sus juegos sexuales. Tantos datos personales en el argumento del film se deben a la amistad que tenían Davies y la mujer del coguionista Herman J. Mankiewicz.
W. R. Hearst estalló en cólera y se propuso acabar con la película impidiendo su estreno. Amenazó con demandas costosas, incluso amenazó con utilizar fotos e información que tenía sobre estrellas y hombres fuertes de Hollywood (en aquellos tiempos el código Hays, que pretendía "moralizar" Hollywood, tenía un gran poder y podía acabar con cualquier carrera, aparte Hollywood estaba preocupada de que los poderes estatales y la opinión publica se les echara encima por la masiva contratación de profesionales extranjeros que venían a EEUU huyendo del nazismo), finalmente propuso comprar los negativos de la película por un precio superior al de su coste real, George J. Schaefer se negó a la operación y el film fue finalmente estrenado. El estreno fue pospuesto ya que las presiones de Hearst consiguieron que los distribuidores no quisieran estrenarla, la película tuvo buenas criticas (excepto por los acólitos de Hearst) pero su distribución fue pésima, reservada a circuitos menores y sin apenas repercusión en la prensa. La única salvación posible que quedaba eran los Oscars, "Ciudadano Kane" aspiraba a 9 estatuillas, pero la academia estaba controlada por la misma industria cinematográfica que envidiaba y repudiaba a Welles, en la gala las nominaciones de Wellesrecibieron numerosos silbidos y solo se premió su guión, que a la postre era un premio para Herman J. Mankiewicz, que figuraba primero en la nominación, que si formaba parte de esa industria y que había mantenido (y mantenía) una fuerte discusión con Welles sobre la autoria del guión.
La película fue un fracaso, quedó en el olvido y el siguiente film de Welles "El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons)" fue debidamente mutilado en el montaje (más de una hora de la parte final) y tuvo un final rodado alternativo rodado sin consentimiento de Welles, que es el que hoy se conserva.
"Ciudadano Kane" fue redescubierto por los jóvenes escritores de Cahiers du Cinema en la década de los 50, que la convirtieron en una película de visión indispensable para cualquiera que se considere cinéfilo, logrando que fuera considerada la mejor película de la historia del cine; galardón que por aquel entonces solía disfrutar "El acorazado Potemkin" de S. M. Einsestein; y que ha ido manteniendo hasta la actualidad.

RAÚL RUÍZ
:http://usuarios.lycos.es/actualcine/weboscar/articulos/analisisdeciudadanokane.html

18 Agosto 2008

Groucho y Chaplin

Chaplin y Groucho, 25 años después

Afición adictiva para algunos (periodistas, cronistas, etc.), negocio inmenso para otros (herederos y familiares), los homenajes póstumos y conmemoraciones de aniversarios están hoy a la orden del día, para disfrute de apologistas y desheredados, y para desesperación de los ciudadanos de bien que piensen en la cantidad de dinero de las arcas públicas que se desperdician en estos macabros cumpleaños. En los últimos tiempos hemos tenido, por ejemplo, centenarios tanto nacionales como foráneos (Lorca, Jardiel Poncela, Verdi) que poco han servido para conocer más la obra de estos autores. Eso sí, muy agradecidos por estas conmemoraciones están editoriales, librerías, escritores, expertos, políticos y un larguísimo etcétera de beneficiados económicamente in memoriam de los ausentes.

Dicho esto queda para dejar claro que no pretendemos desde estas páginas lucrarnos (aunque no estaría de más si se pudiera) sino que nos mueven otros intereses más altruistas y etéreos al recordar que este 2002 puede servir como excusa para recordar a Groucho Marx y Charles Chaplin: de ambos, cómicos, judíos y de cultura anglosajona, se cumplen este año 25 de su desaparición. Nos apuntamos, de este modo, una medalla, porque somos los primeros en constatar esta efeméride. Aceptamos subvenciones estatales.

Mientras este dinero llega, y para justificarlo, haremos lo que se suele hacer en estos casos: reinvindicar lo que se ha reivindicado muchas veces, y a unas figuras cuya reivindicación sólo interesa, a la postre, a los que ya las conocían. Porque no vamos a descubrir nada nuevo de ambos, pero, en fin, redondearemos nuestro descubrimiento con algunas líneas.

GROUCHO MARX

Julius Henry Marx, más conocido como “Groucho” porque se guardaba el dinero de las apuestas al póker en una cartera, una “grouch bag”, es el más popular del grupo cómico los hermanos Marx. Groucho, Harpo y Chico son recordados por una quincena escasa de películas realizadas en los años 30 y 40 en que se dieron a conocer por su peculiar humor, caracterizado por el absurdo, manifestado tanto en el plano visual como en los diálogos, cargados de juegos de palabras. El humor absurdo conducía al cuestionamiento de los estamentos públicos y las costumbres sociales, tales como la universidad (”Plumas de caballo”), la clase política (”Sopa de ganso”) o la ópera (”Una noche en la ópera”).

Los hermanos Marx también trabajaron en el teatro y el vodevil, la radio, y la televisión. Tras su última película como grupo cómico (”Amor en conserva”), Groucho fue el que desarrolló una vida pública más intensa, y de ahí que sea el Marx más recordado por los cómicos norteamericanos posteriores: su presencia constante en la televisión y sus continuas declaraciones contra la clase política norteamericana (que le originó en la vejez la apertura de un expediente por parte del FBI), así como la publicación de libros en los que seguía dando rienda suelta a su humor le hicieron destacar como un personaje controvertido, disparatado y provocador. Y a pesar de que el fenómeno Groucho ha conseguido exportarse a otros países, su humor y su proyección sólo puede entenderse en la cultura norteamericana, ya que sus películas no son más que una parte de su labor como cómico.

Otro de los aspectos que se suelen destacar de Groucho son sus frases célebres. En el hit parade de frases ingeniosas, sólo Oscar Wilde le disputa la primera posición. ¡Cuántas veces hemos soportado a listillos citando a ambos y quitándoles, de paso, toda la gracia original! En fin, de todas las frases de Groucho, nos quedamos con una que resume un modelo vital: “Sólo se aburren los tontos”.

Lo malo de todo el reconocimiento a Groucho es que en ocasiones se llegue a pensar en Harpo, y sobre todo en Chico, como en meros comparsas suyos. Nada más lejos de la realidad, ésta es una circunstancia que sobre todo padece Chico fuera de los EE.UU., ya que su personaje cómico (un inmigrante italiano que vive del lío y del engaño y que se gasta todo lo que tiene en apuestas) es difícilmente reconocible y gracioso en Europa. La ventaja del personaje de Groucho es lo que comentábamos antes: una mayor presencia en los medios de comunicación norteamericanos le dieron una posición de ventaja a la hora de ganarse adeptos. La vida familiar y apartada que llevó en sus últimos quince años de vida Harpo y el mal estado de salud de Chico coincidieron durante mucho tiempo con la presencia de Groucho como gurú mediático de la izquierda intelectual estadounidense. Pero, vistas sus películas, los tres personajes desarrollan papeles complementarios y tienen la misma capacidad cómica y agresiva con su entorno.

Sea como fuere, la verdad es que Groucho es el Marx más imitado y que son precisamente sus imitadores los que más nos hacen recordar al genuino: ante las malas imitaciones, no hay nada como el original.

CHARLES CHAPLIN

Por su parte, Charles Chaplin, el niño británico que llegó a Nueva York con sólo un dólar en el bolsillo, cultivó el humor en el período que le tocó, el cine mudo, explotando los recursos visuales del medio. No faltan defensores de las causas perdidas que dicen que Buster Keaton era un mejor cómico. Bueno, aparte de que Chaplin le hizo la vida imposible a Keaton y que consiguió que dejase de hacer cine, cayese en la bebida, y estuviese más de 30 años en el olvido (casi nada), lo cierto es que Chaplin tenía un mayor sentido del negocio, supo introducir en sus películas historias melodramáticas y tuvo un mayor acierto al crear un personaje rápidamente reconocible por el populacho (que, a fin de cuentas, era el que llenaba los cines durante aquellos años).

No es de extrañar, de todos modos, que los franceses reivindicasen a Keaton frente a Chaplin por las características de este último, que chocan con la cinefilia gabacha:

- Chaplin fue un empresario exitoso. Sus películas tuvieron siempre éxito, en EE.UU. o en Europa, incluso cuando hizo una película muda (”Tiempos modernos”), casi diez años después de la implantación del cine sonoro. Por lo tanto, Chaplin no era el típico autor maldito que llevaba, en los años 60, décadas sin hacer cine porque no le dejaban los estudios: no, Chaplin hacía cine cuando le daba la gana.
- Sus películas no necesitaban de una urgente restauración para ser salvadas del olvido. Chaplin cuidó mucho de su propia obra, e incluso fue el primer director en ofrecer un “director’s cut” de una película suya, como fue “La quimera del oro”, que reestrenó veinte años después de su producción, sonorizada y con nuevas imágenes. Chaplin fue el único director del mudo que no tuvo que preocuparse por si sus películas iban a desaparecer. En este caso, ninguna cinemateca europea podía presentarse como salvadora de sus películas, porque estaban ya muy bien conservadas y guardadas.
- Era un personaje tan de izquierdas que la proyección de sus películas ridiculiza a cualquier existencialista de los de barba y pipa. Películas como “Tiempos modernos”, “Luces de la ciudad” o “El gran dictador” desmonta la teoría de que en EE.UU. sólo se hacían americanadas propagandistas y nada comprometidas. Mientras los europeos seguimos riéndonos del cine americano, aquí todavía esperamos que se haga cine tan comprometido como “El gran dictador” o “Ser o no ser”, de Lubitsch. Dime de qué presumes…

Así, claro está, es mejor reivindicar a directores menos conocidos, como Keaton o Stroheim, que a Chaplin. La obra de Chaplin es incómoda para las elites intelectuales porque llega a las masas y elabora, a la vez, un discurso revolucionario. Lo que consiguió hacer en la URSS Eisenstein en un par de películas, Chaplin lo hizo durante más de treinta años de trayectoria profesional.

En definitiva, que una vez más, la conclusión es desalentadora. Vistos los cómicos de entonces, payasos comprometidos y aguerridos, que utilizaban su independencia económica para fastidiar y meterse donde no les llamaban, y vistos los de ahora, el club de comediantes que repiten siempre los mismos chistes, el panorama desmoraliza. Y si nos fijamos en España, aún es peor, porque los de antes son los mismos que los de ahora: ahí están los Ozores, Juanito Navarro y compañía. Aquí al menos no hay decadencia, ya que nunca ha existido el auge.

Manuel de la Fuente

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http://www.lapaginadefinitiva.com/dbcine/mitos/88

18 agosto 2008

El Drama

Drama
UN GÉNERO DE SIEMPRE

Hablar del genero dramático supone hablar prácticamente de todo el cine. El drama, en su significado extenso no es sinónimo de actuar y ya desde sus orígenes se ha caracterizado por mostrar una intensa emoción, significado este más estricto y más acorde con la idea que se puede hacer el espectador de una película dramática.

El drama siempre ha sido lo más plausible porque el Drama es más real que cualquier otro género y esto es para un interprete equivalente a sensibilidad, profundidad y espiritualidad, pues lo que se le pide no es representar o hacer el papel, sino que hay que ser, vivir y existir en el personaje.

Para Stalisnavsky, el drama por excelencia era "La gaviota" de Chéjov, donde los personajes debían mostrar un especial sentimiento dramático:

" Mejor que cualquier otro, Chéjov probo que la acción escénica debía concretarse en el sentimiento interior y que sobre él, y sólo sobre él, purificada de todo lo seudoescénico, se puede fundamentar la obra dramática. Mientras la acción exterior en el escenario divierte, distrae o excita los nervios, lo interior contagia, se apodera de nuestra alma y la esclaviza".

R.A. Laudeira

Cineclasico.com

18 agosto 2.008
cineclasico.com

Pablo de Rokha 2

Yo canto, canto sin querer, necesariamente, irremediablemente, fatalmente, al azar de los sucesos, como quien come, bebe o anda y porque sí; moriría si NO cantase, moriría si NO cantase; el acontecimiento floreal del poema estimula mis nervios sonantes, no puedo hablar, entono, pienso en canciones, no puedo hablar, no puedo hablar; las ruidosas, trascendentales epopeyas me definen, e ignoro el sentido de mi flauta; aprendí a cantar siendo nebulosa, odio, odio las utilitarias, labores, zafias, cuotidianas, prosaicas, y amo la ociosidad ilustre de lo bello; cantar, cantar, cantar...—he ahí lo único que sabes, Pablo de Rokha!...

* * *

Los sofismas universales, las cosmicas, subterráneas leyes dinámicas, dinámicas me rigen, mi canción natural, polifónica se abre, se abre más allá del espíritu, la ancha belleza subconciente, trágica, matemática, fúnebre, guía mis pasos en la oscura claridad; cruzo las épocas cantando como un gran sueño deforme, mi verdad es la verdadera verdad, el corazón orquestal, musical, orquestal, dionysiaco, flota en la augusta perfecta, la eximia resonancia unánime, los fenómenos convergen a él, y agrandan su sonora sonoridad sonora, sonora; y estas fatales manos van, sonámbulas, apartando la vida externa, —conceptos, fórmulas, costumbres, apariencias,—mi intuición sigue los caminos de las cosas, vidente, iluminada y feliz; todo se hace canto en mis huesos, todo se hace canto en mis huesos.

* * *

Pus, llanto y nieblas lúgubres, dolor, solo dolor mamo en los roñosos pechos de la vida, no tengo casa y mi vestido es pobre; sin embargo, mis cantares absurdos, inéditos, modestísimos suman el pensamiento, TODO el pensamiento de la raza y la voz del instante; soy un país HECHO poeta, por la gracia de Dios; desprecio el determinismo de las ciencias parciales, convencionales, pues mi sabiduría monumental surje pariendo axiomas desde lo infinito, y su elocuencia errante, fabulosa y terrible crea mundos e inventa universos continuamente; afirmo o niego, y mi pasión gigante atraviesa tronando el pueblo imbécil del prejuicio, la mala aldea clerical de la rutina.

* * *

Atardeciendo me arrodillé junto a una inmensa y gris piedra humilde, democrática, trágica, y su oratoria, su elocuencia inmóvil habló conmigo en aquel sordo lenguaje cosmopolita e ingenuo del ritmo universal; hoy, tendido a la sombra de los lagos he sentido el llanto de los muertos flotando en las corolas; oigo crecer las plantas y morir, los viajeros planetas degollados igual que animales, el sol se pone al fondo de mis años lúgubres, amarillos, amarillos, amarillos, las espigas van naciéndome, a media noche los eternos ríos lloran a la orilla de mi tristeza y a mis dolores maximalistas se les caen las hojas;. . .«buenos días, buenos días árbol», dije al reventar la mañana sobre las rubias cumbres chilenas, y más tarde clamaba: «estrellas, SOIS estrellas, oh! prodigio...»

* * *

Mis pensamientos hacen sonar los siglos, todos los siglos; voy caminando, caminando, caminando musicalmente y mis actos son himnos, cánticos naturales, completamente naturales; las campanas del tiempo repican cuando me oyen sentirme; constituyo el principio y la razón primordial de todas las tonadas, el eco de mis trancos restalla en la eternidad, los triángulos paradójicos de mi actitud resumen el gesto, el gesto, la figura del super hombre loco que balanceó la cuna macabra del orbe e iba enseñándole a hablar.

* * *

Los cantos de mi lengua tienen ojos y pies, ojos y pies, músculos, alma, sensaciones, grandiosidad de héroes y pequeñas costumbres modestas, simplisísimas, mínimas, simplisísimas de recién nacidos, aullan y hacen congojas enormes, enormes, enormemente enormes, sonríen, lloran, sonríen, escupen al cielo infame o echan serpientes por la boca, obran, obran lomismo que gentes o pájaros, dignifican el reino animal, el reino vegetal, el reino mineral, y son bestias de mármol, bestias, bestias cuya sangre ardiendo y triste, triste, asciende a ellos desde las entrañas del globo, y cuyo ser poliédrico, múltiple, simultáneo está en los quinientos HORIZONTES geográficos; florecen gozosos, redondos, sonoros en Octubre, dan frutos rurales a principios de Mayo y Junio o a fines de Agosto, maduran todo el año y desde nunca, desde nunca; anarquistas, estridentes, impávidos, crean un individuo y una gigante realidad nueva, algo que antes, antes, algo que antes no estaba en la tierra, prolongan mi anatomía terrible hacia lo absoluto, aún existiendo independientemente; ¡tocad su cuerpo, tocad su cuerpo y os ensangrentareis los dedos MISERABLES!.. !..

* * *

Ariel y Calibán, Egipto, Grecia, Egipto y SOBRE TODO Chile, los cuadrados países prehistóricos, Jesús de Nazareth, los cielos, las montañas, el mar y los hombres, los hombres, las oceánicas multitudes, ciudades, campos, talleres, usinas, árboles, flores, sepulcros, sanatorios, hospicios u hospitales, brutos de piel terrosa y lejano mirar lleno de églogas, insectos y aves, pequeñas, arminosas mujeres pálidas; el cosmos idiota, maravilloso, maravilloso, maravilloso, maravilloso orienta mis palabras, y rodaré sonando eternamente, como el viejo nidal, como el viejo nidal, como el viejo nidal en donde anidan TODOS los gorjeos del mundo.

Boris 17 Agosto 2008

Orson Welles 3

Drama
CIUDADANO KANE

Citizen Kane
Estados Unidos, 1941

Dirección y producción: Orson Welles
Dirección de fotografía: Gregg Toland
Guión: Orson Welles y H.J Mankiewicz
Intérpretes: Orson Welles,
Joseph Cotten, Dorothy Comingore.
Productora: RKO

¿Usted conocía a Charles Foster Kane? ¿Sabe qué o quién era Rosebud?" Si a usted le han preguntado esto alguna vez es que dio forma al personaje sobre el que gira Ciudadano Kane.

Antes de elogiar este film no se puede obviar el contexto que lo rodeó en 1941. La historia es de lo más verosímil, tanto que está basada en la vida de William Randolph Hearst, magnate de prensa en esa época.

Lo que sorprende realmente es que hay dos películas en una - o eso parecía en la época la primera es la película cuyo argumento son las hazañas de un periodista que investiga sobre la vida del fallecido Charles Foster Kane, la segunda es la vida de Kane.

Para hacerse una, se enlazan a través de numerosos retrocesos en el tiempo de la acción dramática.

Es lo que hoy en día vemos en tantas películas y denominamos flash-back. Se puede decir que Welles es el creador del flash back cinematográfico.

Pero no sólo por eso es una gran película. La dirección de esta película es un gran legado que Orson Welles deja para estudiar realización cinematográfica. Los planos son de una composición magistral, profundidades de campo inusuales, por primera vez los decorados iban a necesitar techo puesto que los ángulos de los objetivos lo filmarían... Es curioso el hecho de que sea una lección de realización cuando se saltó todo aquello que estaba estipulado académicamente hablando. Welles, así como su director de fotografía Gregg Toland, reconoció que había visto La diligencia más de cuarenta veces.

En este film los indios van de izquierda a derecha y de derecha a izquierda en planos consecutivos, y contiene otros muchos ejemplos de antiacadémica pero genial realización. A su vez, muchos directores actuales habrán reconocido haber visto Ciudadano Kane más de cuarenta veces.

El guión resulta muy innovador puesto que parece que Kane no es dueño de sus actos, sino de lo que cuentan los personajes entrevistados. Éstos se transforman de un plano a otro de confidentes a personajes casi protagonistas, secundarios, agentes, pacientes, incidentales, comparsas, corales o ausentes.

Esto se ve claramente en el caso de Liland (crítico teatral del Inquirer), Bernstein (ayudante de Kane) y Susan Alexander (su segunda esposa). Si solo aparecieran en la historia cuando son entrevistados y en lo relativo a lo que dicen no tendrían tanto valor como el que tiene que Bernstein declaran acerca de lo que saben y aparezcan el junto a las otras piezas del rompecabezas, como Lilan o Susan, que también declararán.

El personaje de Kane es interpretado por Welles, que se muestra camaleónico y tan seguro como el personaje al que da vida. Una vida que está llena de pasión por sí mismo, que vive por y para sus deseos.

Charles Foster Kane es un personaje que brilla por que el mismo desea brillar, hace brillar a otros porque desea que brillen, es pues una persona con principios. Son precisamente estos principios los que darán un giro al argumento.

Kane, casi al principio, publica en el Inquirer su declaración de principios. Lilan se guarda el original que años más tarde le hará llegar con el fin de hacerle recordar que están desviándose.

El motivo es que Charles Foster Kane comienza a ser cada vez más ambicioso, imponiendo sus ideas al que lo rodea, llevando a su mujer a la locura, despidiendo al propio Lilan... pensando en sí mismo.

¿Sería extraño continuar ahora desde el principio? Para eso habría que pensar que el principio podría ser cualquier secuencia del film. El principio... bueno lo que aparece en los primeros fotogramas de Ciudadano Kane, es la muerte de un personaje que lo último que dice es "Rosebud". A continuación un documental sobre el fallecimiento de Charles Foster Kane, propietario de un gran imperio, amado y odiado por mucha gente.

Este documental es lo que ven unos periodistas que se disponen a hacer un interesante reportaje sobre la vida de Kane. Lo cierto es que, aunque no lo sepan, la manera de enfocar este reportaje es tal y como lo hubiera hecho el propio Kane; divagando sobre como hacer sensacional la noticia.

Es un trasfondo que luego se descubrirá cuando el fallecido se hizo con el Inquirer - aunque parezca extraño hablar del pasado en futuro - y buscó el sensacionalismo en la desaparición de una mujer convirtiéndolo en posible asesinato. Los periodistas buscarán algo así, en el sentido que lo primero que piensan es que Rosebud podría ser una amante.

El que mejor sabía que era "Rosebud" era es el verdadero Kane. Es decir, William Randolph Hearst denominaba cariñosamente los genitales de su amante - la actriz Marion Davis - con este término.

Durante toda la película aparecen semejanzas entre Kane y Hearst, como por ejemplo la noticia sobre la ficticia guerra entre España y Cuba. Hearst hizo todo lo posible para boicotear la película y al propio Orson Welles.

En una ocasión intento quemar los negativos y, en el día del estreno, metió una menor desnuda y fotógrafos en la habitación del hotel en la que se alojaba Welles.

Los negativos se salvaron milagrosamente y, respecto a la menor, el director de la película no acudió gracias a un chivatazo. Lo único que pudo conseguir Hearst - que no fue poco - es que la película se proyectara solo en circuitos de segunda, ya que influía en la mayor parte de las salas de proyección.

Aún así Ciudadano Kane, la primera y última película en la que tuvo plena libertad Orson Welles, será recordada siempre como, posiblemente, la mejor película de la historia del cine.

César Fresneda
cineclasico.com 17 agosto 2.008

Lempicka 2

Orson Welles 2

ENTREVISTA CON ORSON WELLES

(extracto)

por André Bazin, Charles Bitsch y Jean Domarchi

(Originalmente publicada en Cahiers du Cinema Nº 87, septiembre de 1958)

Una postura difícil

Su postura es difícil. Usted detesta a todo aquel que actúa en nombre de la religión, de la política...

A ellos no les odio, odio su forma de actuar.

Sí, pero al mismo tiempo dice usted que se debe creer en algo por encima del hombre.

Sí, es una postura difícil. Siempre habrá que renegar de algo. Me costaría mucho llegar a explicar dicha ambigüedad; siempre ha sido mi mayor conflicto. Cada artista, sabe usted, cada persona que piense, tiene siempre un conflicto fundamental entre dos ideas extremas, dos polos. En lo que a mí concierne, y lo ha visto usted perfectamente, es exactamente eso. Pero si tuviera que elegir, elegiría siempre el respeto antes que el egotismo, la responsabilidad antes que la aventura. Y esto va realmente contra mi personalidad, porque es la del aventurero egotista: yo estoy hecho para seguir el camino del más puro aventurero del tipo byroniano, aunque también deteste lo que hace este tipo de gente.

Decía usted que Macbeth es detestable, pero también es un poeta. ¿En cierto sentido, eso no podría justificarle?

Es detestable hasta que se convierte en rey, y una vez coronado se echa a perder; pero desde el momento en que lo ha echado todo a perder se convierte en un gran hombre. Hasta entonces no es más que la víctima de su mujer y de su ambición y la ambición es odiosa, es una debilidad. Toda persona que caiga en la ambición es, de alguna manera, débil. Shakespeare eligió siempre grandes temas, los celos: Otelo; la ambición: Macbeth. Cuando convierte a Macbeth en rey no estamos más que a mitad del tercer acto, aún quedan otros dos y medio en los que Shakespeare puede al fin respirar y decir: ya que por fin he terminado con esa maldita ambición ya puedo dedicarme a hablar de un gran hombre, de alguien que sepa apreciar un buen vino.

¿Piensa usted que tanto Otelo como Macbeth son grandes pesimistas?

Shakespeare lo era.

¿Incluso en La tempestad?

Mucho. Acuérdese:

“And depper than did ever plummet sound
I' ll drown my book”.

Shakespeare era terriblemente pesimista. Pero como tantos otros pesimistas, también era un idealista. Únicamente los optimistas son incapaces de comprender lo que significa un ideal. Shakespeare estaba muy cerca de los orígenes de su propia cultura: la lengua en que escribía acababa de formarse, la vieja Inglaterra medieval vivía aún en la memoria de las gentes de Stratford. Estaba muy cerca de otra época, comprende usted. Estaba entre la puerta al mundo moderno y sus abuelos, los viejos del pueblo, el mismísimo campo era aún medieval, era todavía aquella vieja Europa; y a él le quedó algo: su lirismo, su inspiración cómica, su humanidad, proceden de sus ligaduras con la Edad Media que tan cercana estaba a él; y su pesimismo, su amargura... Tienen relación con el mundo moderno, ese mundo recién creado, su mundo, no ese que existía desde siempre.

¿Cree usted que Shakespeare escribió Arden de Faversham?

No.

¿Tal vez Thomas Kidd?

Probablemente. En cualquier caso, Shakespeare no fue.

¡Abajo Gide! ¡Viva Montaigne!

Gide atribuye a Shakespeare la obra Arden de Faversham.

¡Bueno, no me extraña nada de Gide! No me sorprende nada que haya pensado algo parecido. Nadie detesta a Gide más que yo. A decir verdad, ni me gusta ni me deja de gustar: para mí no es nadie. Existen muchos escritores cuyas opiniones difieren totalmente de las mías, y a pesar de todo me gustan y los leo: no tengo sus mismas opiniones pero me da igual. ¡Pero Gide! André Gide es un tipo funesto. No solamente no siento ni la menor simpatía por él, sino que además no quiero tener nada que ver con todos sus libracos. Ha sido nefasto para mucha gente francesa de gran ingenio, para muchos jóvenes intelectuales. Y creo que él nunca ha tenido ni el ingenio ni la imaginación necesaria para ser un poeta: fue el espíritu más prosaico que ha existido jamás. Por tanto, es evidente que pensó que Arden de Faversham era una obra de Shakespeare sólo porque era una buena obra, solamente por eso.

Es una obra que refleja el mundo burgués, mundo hacia el cual Shakespeare nunca mostró un especial interés.

Es verdad. A Shakespeare no le interesaban los burgueses: siempre los retrató como payasos. Pasó sus últimos veinte años luchando denodadamente por llegar a ser noble, por tener un escudo de armas. Una de sus obsesiones, al igual que en Balzac, es la de la legitimidad. Cuando uno lee Ricardo es fácil observar el horror que siente por todo lo que pueda llegar a hacerse contra dicha legitimidad, comprende usted, contra aquel que recibió los santos óleos. A Shakespeare le apasionaban los reyes, pero no tanto los aristócratas. Creo que los aristócratas isabelinos le decepcionaron bastante, pero todos esos conceptos de trono y de rey aparecen en toda su obra. Me he pasado la vida repitiendo a los actores americanos que allí nunca podríamos llegar a tener un gran teatro shakespeariano porque es imposible que un grupo de actores americanos llegue a comprender lo que significa el concepto de "rey" para Shakespeare: piensan que es un tipo cualquiera que un día se ve con una corona y sentado en un trono, alguien que puede ser una buena persona, un canalla, un gigante o un engendro: es el "rey". No llegan a comprender que para Shakespeare, más que para cualquier otro escritor, el rey ocupa una posición particularmente trágica y extraordinaria. La corona llegó a ser una de sus obsesiones.

¿Le gustaría a usted poner en escena Ricardo II?

Me encantaría. Hace muchos años, en Irlanda, llegué a interpretarlo. Pero jamás lo he dirigido. Es una obra extraordinaria. Ve usted, Shakespeare, como cualquier otro artista, se vuelve realmente apasionante cuando sus creaciones comienzan a tener vida propia y de esa forma arrastra al autor contra su propia voluntad. Bolingbroke conduce a Shakespeare, aún contra su voluntad. a través de escenas maravillosas que Shakespeare no podría por sí solo escribir. Todo esto dota a la obra de una tensión extraordinaria.

Es evidente que Shakespeare apoya a Ricardo.

Sí, absolutamente. Pero a pesar de todo debe ser justo con Bolingbroke y más aún, tiene que convertirlo en algo real, humano y de pronto, su propio personaje, Bolingbroke, adquiere vida real y tira del autor durante buena parte de la obra. Se puede ver a Shakespeare intentando retenerle: pero nada, ¡Bolingbroke está desatado! A menudo, Shakespeare se ve superado por sus propios personajes. Existe una teoría muy interesante planteada por una serie de eruditos; para ellos, y contrariamente a lo que se cree, Shakespeare no sólo llegó a interpretar pequeños papeles, sino que también interpretó papeles importantes, incluso se piensa que interpretó a Yago.

También interpretó el fantasma en Hamlet.

Eso ya se sabía. Pero que interpretara papeles importantes, que hiciera de Yago o de Mercurio, resulta apasionante. Porque son dos papeles que inicialmente están en segundo plano y acaban por robar la obra a sus propios protagonistas.

¿Ha dirigido usted alguna vez Hamlet?

Sí, dos veces: en Chicago y en Dublín. Una vez me propusieron la obra con Marlon Brando pero al final no se llevó a cabo. No me atraía mucho el proyecto, aunque Brando hubiera podido ser un curioso Hamlet. Pero llegará por fin el día en que se monte Hamlet como obra, y no sólo como una ocasión para que se luzca un actor romántico. La pieza sufre. no desde el punto de vista
comercial, pero sí en sí misma, al ser montada de forma demasiado romántica.

Hamlet es un personaje muy curioso porque a veces parece creer en Dios y otras veces lo niega.

¡Oh! Cree en Dios, estoy seguro.

Pero no lo parece durante su famoso monólogo.

Sí hombre, sí. ¿No piensa usted que el mundo está lleno de gente que cree en Dios
y sin embargo no cree ni en el cielo ni en el infierno? ¿No piensa usted en la posibilidad de creer en Dios y no creer en la existencia del cielo ni del infierno? Estoy seguro de que habla del Paraíso y de todo eso pero sin referirse a dios. El no se pregunta "es o no es", sino "ser o no ser". Es muy distinto.

¿Acaso deja eso entrever que el alma no es inmortal?

Bueno, sabe usted, hay un montón de herejías cristianas que afirman que el alma no es inmortal, y existen desde hace mucho tiempo. Está Dios, pero su existencia no implica que el alma sea inmortal. Yo no creo que Shakespeare, con todo lo legitimista que era en temas tales como el trono, la corona o el propio Dios, haya puesto jamás en entredicho, conscientemente, la existencia de Dios; a lo mejor lo hizo de forma inconsciente, pero, conscientemente, para él, Dios existía. Ahora bien, que también existiera toda su corte divina, su palacio con todos sus cortesanos, su cielo y su infierno; eso puede que Shakespeare lo dudara. Que la corona y el trono existen, eso sí que lo creía, como lo demuestra su manera de hablar de la realeza, y no se pueden sentir tales sentimientos hacia un rey a menos que se pueda afirmar la existencia de Dios. ¿Un rey sin Dios? Eso no tiene sentido porque es el representante de Dios.

Pero Shakespeare es también un hombre del Renacimiento, y el Renacimiento marca el comienzo de la crítica a la religión.

Perdón, pero yo no diría que ése es el principio. La crítica a la religión comienza aquí, en París, mucho antes del Renacimiento.

Sí, pero en Inglaterra...

Allí también, mucho antes. ¡Thomas Wickham! ¡Acuérdese de él! El Renacimiento inglés ya no se preocupó de criticar la religión, mil perdones, pero no demostró, pura y simplemente, el menor interés por ella. En Inglaterra, la verdadera crítica a la religión se sitúa en el siglo XIV.

En el siglo XIV la gente era aún muy prudente; comenzaron a serlo cada vez menos en el Renacimiento.

Sí, pero lo que paso realmente durante el Renacimiento fue que el hombre pasó a convertirse en el tema central de la tragedia de la vida. Eso fue lo que pasó: que se dio importancia al hombre. Eso sí, Fausto apareció en el Renacimiento. Pero el tema no era ya criticar a la religión; la había relegado a un papel secundario en la tragedia de la vida. A Shakespeare no le interesaba la religión, no más que al resto de escritores renacentistas, ya fueran italianos o no.

Decía esto porque sin duda Shakespeare debió leer a Montaigne.

¿Montaigne? ¿Ha dicho usted Montaigne? Es mi autor preferido, sabe usted.

Shakespeare leyó a Montagne traducido por Johannes Florio.

El famoso Florio, sí, puede ser.

Y el escepticismo y la incredulidad congénita de Montaigne tal vez...

Eso no puedo aceptarlo porque, para mí, Montaigne es el escritor más perfecto que haya existido en este mundo. Le leo, literalmente, todas las semanas, de la forma en que la gente puede leer la Biblia, no mucho rato; abro mi libro de Montaigne, leo una o dos páginas, al menos una vez a la semana, únicamente por placer, así, sin más. Para mí, es uno de los mayores placeres del mundo.

En francés o...

En francés, por el placer de su compañía. Y no es fundamentalmente por lo que cuenta, sino porque es un poco como estar esperando a un amigo, sabe usted. Para mí, es maravilloso, muy querido. Le tengo mucho afecto. Es un gran amigo de toda la vida. Y por otro lado, se aproxima mucho al espíritu de Shakespeare, al menos en cuanto a la violencia.

¿Está usted de acuerdo en afirmar que Shakespeare es el más importante de los italianos?

También es el mayor de los ingleses. Y sin embargo, no es el mayor de los franceses: no tenía nada de francés. Pero de italiano sí. Italia tenía, en aquella época, una enorme influencia en Inglaterra. No es extraño.

También tenía una gran influencia la antigüedad.

Sí, pero sobre todo Italia. Sabe usted, Inglaterra soñó con Italia tal y como Roma soñó con Grecia: es un sueño muy peculiar. Duró trescientos años.

En Julio César, Shakespeare cayó víctima de Plutarco y no es su mejor obra.

No, pero sí es una de las más eficaces, como Ricardo II. Es una de las obras que más éxito tiene.

Volviendo a su obra, me parece que se distingue una cierta unidad derivada de una concepción de la existencia muy nietzscheniana. ¿Cree usted que es así?

No sé de que deriva, pero espero que exista una cierta unidad en mi obra, porque si lo que uno hace no le pertenece a uno mismo como la propia carne o la propia sangre, entonces no tiene ningún interés. Creo que cualquier obra, y estoy seguro de que estará usted de acuerdo conmigo, es buena en la medida en que exprese al hombre que la ha creado. Siempre me siento muy comprometido con los guiones que hago. No me interesan como tal guión; para mí sólo importa su valor moral. En una obra, odio la retórica, el discurso moral, lo que es esencial es, desde mi punto de vista, todo aquello alrededor de lo cual gira la obra.

Su moral no es corriente, es una moral superior.

Bueno, le diré que me interesa más el carácter que la virtud. Puede usted llamar a eso moral nietzscheniana, al igual que yo la llamo aristocrática, oponiéndola así a la burguesa. La moral sentimental burguesa me hastía: prefiero el valor a cualquier otra virtud.

Eso es lo que pretendíamos decirle al hablar de una moral superior y distinta.

No creo que sea tan distinta. Es simplemente diferente a la moralidad del siglo XIX o del XX.

Por ejemplo, el personaje de La dama de Shanghai es totalmente distinto al way of life corriente.

Totalmente. Es a la vez poeta y víctima. Pero de nuevo representa... -no quisiera que pensaran que utilizo esa palabra de forma snob- representa un punto de vista aristocrático, que de hecho no es el del señor: es un punto de vista caballeresco, que corresponde a unas ideas europeas muy antiguas. No tiene nada de nietzscheniano. La moral de Nietzsche no es más que otra expansión, otra forma de presentar esa misma vieja moral tan alejada de la Revolución Industrial, de la burguesía y de todas esas ideas que tan antipáticas me son. Yo soy una persona que adora la sátira, pero vivimos en una época sin trabajo para los satiristas. Jamás he podido tratar un tema satírico en una película o en una obra: a nadie le interesa. Y es muy difícil atacar toda una moral vulgar sin recurrir a la sátira: yo, en el cine, me he visto obligado a hacerlo echando mano del melodrama, que es mucho menos eficaz. Tomen ustedes una historia como la de Sed de mal: se trata de un ser superior, porque Heston hace de hombre superior, no porque tenga buena presencia ni porque está en el candelero, no, es porque es civilizado y tiene una cultura mucho más profunda. No se trata sólo de que sea bueno e incapaz de hacer marranadas a nadie, sino porque comprende lo que es ser bueno. De forma que es alguien que puede enfrentarse a un canalla sin necesidad de llevar siempre la virtud como estandarte, y todos aquellos argumentos que opone al poder policial son los que cualquier hombre cultivado opondría.

¿Pretendía usted criticar a la civilización americana en Ciudadano Kane o La dama de Shanghai?

Evidentemente. Creo que todo artista tiene la obligación de criticar su propia civilización y a sus propios contemporáneos. Es una función clara y neta para cualquier artista con un mínimo de ambición. Todo francés debe criticar a la civilización francesa contemporánea. Es responsabilidad nuestra.

¿Acaso era su intención criticar un cierto sentido capitalista de la vida?

¿Un sentido capitalista en contraposición a un sentido materialista? Si admitiera criticar al capitalismo, parecería adoptar una actitud marxista, y no es el caso. No es simple casualidad que una película como Ciudadano Kane esté prohibida en Rusia; no les gusta nada, ni siquiera un poco más que a los capitalistas. Yo soy antimaterialista, no me gusta el dinero, ni el poder, ni el daño que hacen a la gente. Es un viejo sentimiento de lo más simple. Y por encima de todo me opongo a la plutocracia, y es precisamente a la plutocracia americana a la que critiqué de diversas formas en películas tales como El cuarto mandamiento, La dama de Shanghai o Ciudadano Kane...

¿Y en Sed de mal ?

Sí, también. Pero creo que a partir de ahora me van a interesar más los abusos de la policía y del Estado que los del dinero, porque hoy en día el Estado es más poderoso que el dinero. Ahora busco la forma de expresar todo esto.
17.agosto.2008