Causa una extraña impresión ver de nuevo El último tango en París a cuatro décadas de su estreno. En plena invasión de películas eróticas y pornográficas, parecen inverosímiles aquellas refriegas judiciales que terminaron condenando el filme a la hoguera. Los protagonistas son Paul (un cincuentón "americano en París" en el sentido milleriano del término, perdedor en demasiadas batallas que se han coronado con el reciente suicidio de su esposa) y Jeanne, una joven de familia burguesa, huérfana de un general muerto en Argelia y novia de un cineasta de su misma edad. La conmovedora y dramática historia que los une fugazmente ha adquirido, con el pasar del tiempo, un espesor literario y novelístico que va mucho más allá de aquel éxito trunco que le diera el escándalo. Ésta es, probablemente, la clave de lectura más certera de la obra. Mucho más que la avalancha de lecturas psicoanalíticas - algunas ciertamente interesantes y agudas - centradas en el abrazo de Eros y Tánatos y cargadas de paralelos con Bataille-Strindberg con que se han llenado tantas páginas. Loada ya antes de llegar a los cines (la autorizada crítica de cine Pauline Kael comparó su proyección con el estreno de la Consagración de la Primavera de Stravinsky), El último tango en París entró de inmediato en el mito. Buena parte de este destino se debe a Marlon Brando, que aquí nos dejó una de sus actuaciones más convincentes. Apuró hasta la última gota el célebre método del Actor's Studio y al mismo tiempo lo subvirtió, hasta meterse en la piel de un personaje que no era un calco de sí mismo pero al cual pudo aportar algunos rasgos íntimos gracias a la libertad creativa de que disfrutaba. En la escena en que Paul relata su infancia, es evidentemente Brando quien habla en primera persona. Y también son suyas algunas obsesiones, desde la relación victimista con el mundo hasta la misoginia de fondo, para concluir con ese sentido de derrota inmanente que no puede llevar más que a la muerte. Una historia que los años han teñido con la fascinación del mito, hasta hacer del "Último tango" una de las películas italianas más hermosas e importantes del último medio siglo.
Nacida en estado de desequilibrio; rodada sobre el exceso, filmada por un director para la desconfianza (que más sabe de crítica cinematográfica que de poesía en imágenes): por algún motivo incomprensible Bertolucci pudo regalarnos la obra definitiva sobre la belleza imperfecta. Un último baile descompasado que, como bien se ha dicho, narra el naufragio urbano de dos perdedores en la ciudad que nunca más volverá a ser la del amor. París pone el dolor, Brando la desesperación (y una inmensa interpretación) y Schneider el cuerpo; para grabar con pornográfica alevosía unos íntimos actos de amor (no los polvos, sino los diálogos), y una salvaje violación, con penetración, en los secretos vomitados y escondidos de dos personas que creen saber ocultarlo todo y se les ha olvidado vestirse. Ella buscando un padre que le contara cuentos, él escupiéndole las verdades de este mundo; ella esperando que la sacaran a bailar, él forzándola sobre la pista; ella deseando un beso de buenas noches, él cubriéndole el coño con mantequilla; y pese a todo ella amándole y él correspondiéndola.
Si alguien enumerara los múltiples fallos de “El último tango en París” los admitiría todos, sin que por eso dejara, por un mínimo instante, de reconocerla como una de las más desgarradoras películas sobre como la soledad es el único sentimiento por el que alguna vez dos seres humanos podremos unirnos, y el testimonio más doloroso de como el romanticismo se extingue ante la mediocridad, que es lo único que perdura. Y al final María Schneider nos confiesa que no sabía su nombre, que era una persona desconocida; únicamente nos queda saber si se refería a Brando o a si misma Premios obtenidos:
National Society of Film Critics Awards, USA 1974 NSFC Award Best Actor: Marlon Brando
New York Film Critics Circle Awards 1973 NYFCC Award Best Actor: Marlon Brando
Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani 1973 Cinta de Plata Regista del Miglior Film Italiano: Bernardo Bertolucci
" - Tú no tienes nombre y yo tampoco tengo nombre. No hay nombres. Aquí no tenemos nombre. - ¿Estás loco? - Es posible que lo esté pero no quiero saber nada de ti. No quiero saber donde vives, ni de donde eres. No quiero saber absolutamente nada de nada. ¿Me has comprendido? - Me asustas. - Nada. Tú y yo nos encontraremos aquí sin saber nada de lo que nos ocurra fuera, ¿de acuerdo? - Pero, ¿por qué? - Pues porque…aquí no hace falta saber nombre, no es necesario. ¿No lo comprendes? Venimos a olvidar, a olvidar todas las cosas, absolutamente todas. Olvidaremos a las personas, lo que sabemos, todo lo que hemos hecho. Vamos a olvidar donde vivimos, olvidarlo todo. - Yo no podré, ¿tú si? - No lo se. ¿Tienes miedo? - No. "
"Si la música es el alimento del amor ¡qué siga sonando!"
"- Qué estoy haciendo contigo en este piso? El amor? - Bueno, digamos que... prácticamente lo que estamos haciendo... es darnos gusto. - Ya veo que me tomas por una cualquiera. - Qué... que te tomo por una qué? - Por una zorra. - Aah! te refieres a una prostituta? - Si, una prostituta. - Noo, sólo eres una jovencita anticuada y complaciente que intenta parecerlo. - Prefiero ser una puta. "
"- Escucha,... quiero que nos miremos uno al otro... si - Es bonito no saber nada el uno del otro. - Si "
"- Oh! Yo soy caperucita roja y tu el lobo feroz. Uh... que brazos tan fuertes tienes. - Son para estrujarte mejor pequeña mia. - Que uñas tan largas tienes. - Son para arañarte mejor el culo. - Uh... que cantidad de vello tienes. - Es para que tus ladillas puedan esconderse mejor. - Uuuh... que lengua tan larga tienes. - Es para metertela mejor, querida mia. - Y esto para qué es? - Esto es para tu felicidad y mi... mi falocidad! - Falocidad? - Falo, pene... "
"Me cago en todos vosotros... familia. "
" En cualquier caso, y para no hacer mas pesada esta larga y aburrida historia, acabaré recordando el momento en que entré en un lugar como este, me encontré con una jovencita como tú, y la llamé muñeca. "
Ultimo Tango a Parigi. Director: Bernardo Bertolucci. Guión: Bernardo Bertolucci y Franco Arcalli. Diálogos adicionales de Agnès Varda. Intérpretes: Marlon Brando, Maria Schneider, Maria Micci, Catherine Allégret, Jean Pierre Léaud. Música: Gato Barbieri. Fotografía: Vittorio Storaro. Francia-Italia. 1972. 120 minutos.
Arthur Penn nació el 27 de septiembre de 1922 en Philadelphia (Estados Unidos). En el instituto inició sus actividades teatrales que continuo en su época como militar en la Segunda Guerra Mundial.
En los años 50 comenzó su trayectoria como director televisivo, realizando episodios de la “Gulf Playhouse”, “Philco Television Playhouse” o de la “Goodyear Television Playhouse”, en donde se adaptaban numerosas obras teatrales y demás títulos literarios. Otras emisiones de televisión en las que participó Arthur Penn, y que compaginaba con su labor teatral en Broadway, fueron “The Playwright Hour” o “Playhouse 90”.
Su primera película cinematográfica, producida por su amigo del ejército Fred Coe, fue “El Zurdo” (1958), un western psicológico protagonizado por Paul Newman como Billy “El Niño”. Este film, basado en una obra de Gore Vidal, pasó bastante desapercibido en los Estados Unidos pero obtuvo gran resonancia en Europa, como así ocurrió en otras ocasiones en su carrera.
El éxito en su país le llegó con su segunda película, “El milagro de Ana Sullivan” (1962), adaptación de una obra teatral de William Gibson que Arthur ya había llevado al teatro y a la televisión.
Para la versión cinematográfica Penn requirió la participación de sus protagonistas en Broadway, Anne Bancroft y Patty Duke. Ambas consiguieron el premio Oscar) poniendo de manifiesto, además del talento interpretativo de las actrices, la habilidad de Arthur Penn como director de intérpretes. El propio Penn fue candidato a la estatuilla como director por esta película.
Además de esta capacidad para conseguir brillantes interpretaciones de su plantel de intérpretes, Penn, influenciado por la nouvelle vague francesa en su estilo visual, solía emplear la violencia en sus comentarios sociales, horadando de manera singular en el mito histórico y en la psicología de sus personajes, muchas veces desplazados de la comunidad a la que pertenecían.
Después de “El Milagro de Ana Sullivan”, su siguiente proyecto fue “El Tren” (1964), una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial protagonizada por Burt Lancaster que Penn no pudo realizar tras unos días de rodaje al ser despedido por Lancaster, quien le sustituyó por John Frankenheimer.
Un año más tarde Arthur estrenó “Acosado” (1965), un título negro con Warren Beatty, y más tarde, en la segunda mitad de la década de los 60, realizó “La Jauría Humana” (1966), adaptación de una novela de Horton Foote con Marlon Brando, Robert Redford y Jane Fonda, “Bonnie y Clyde” (1967), película protagonizada y producida por Warren Beatty por la cual Penn logró su segunda nominación al Oscar, candidatura que repetió por “El Restaurante de Alicia” (1969), una película basada en una canción de Arlo Guthrie que fue protagonizada por el propio cantante folk, hijo del mítico Woody Guthrie.
Durante los años 70 Arthur Penn continuó dirigiendo estupendos títulos, como “Pequeño Gran Hombre” (1970), western revisionista con Dustin Hoffman, o “La noche se mueve” (1975), film negro con Gene Hackman y una jovencita Melanie Griffith.
También en este decenio Penn realizó un episodio de “Visions of Eight” (1974), documental sobre las Olimpiadas de Munich en el cual también colaboraron directores de la talla de Milos Forman, Claude Lelouch, Kon Ichikawa o John Schlesinger, y el western “Missouri” (1976), protagonizado por Marlon Brando y Jack Nicholson.
Los años 80 fueron su fin como autor cinematográfico, dirigiendo “Georgia” (1981), título romántico con Craig Wasson, “Agente doble en Berlín” (1985), film de espías que le volvía a emparejar con Gene Hackman, “Muerte en el invierno” (1987), thriller con Roddy McDowall y Mary Steenburgen, y la comedia “Penn & Teller get killed” (1989).
Posteriormente grabó algunos trabajos para televisión, como el telefilm “El Retrato” (1993), con el protagonismo estelar de Gregory Peck y Lauren Bacall, o la dirección de un episodio de la serie “Los juzgados de Centre Street” (2001). También produjo la serie “Ley y Orden”.
Falleció el 28 de septiembre del año 2010 a los 88 años de edad a causa de un fallo cardíaco.
LA JAURIA HUMANA (1966)
Director: Arthur Penn. Intérpretes: Marlon Brando, Robert Redford, Jane Fonda, James Fox.
Bubber Reeves (Robert Redford) ha escapado de la prisión con la pretensión de retornar a Tarl, su pequeña ciudad ubicada en el estado de Texas, hecho que comienza a trastornar la vivencia habitual de la localidad, especialmente cuando la mujer de Bubber, Anna (Jane Fonda), está manteniendo un romance con el hijo (James Fox) del magnate de la villa, Val Rogers (E. G. Marshall).
La difícil tarea de mantener el orden y la calma en la población será para el sheriff Calder (Marlon Brando).
Gran película de Arthur Penn que sirve para ilustrar los sentimientos y conflictos morales existentes entre los habitantes de una pequeña ciudad del estado de Texas.
Lillian Hellman escribe el guión adaptando una novela de Horton Foote en la que se narra la paranoia causada entre la población de una villa por el posible regreso de un convicto nativo de la misma, escapado de una prisión en la que lleva recluido dos años.
A pesar de los problemas de producción que sufrió el film, éste permanece como una fresca y acerada visión sobre una sociedad que arrastra sus pies en arenas movedizas, en donde todas las intrahistorias parecen sujetas por alfileres a punto de desprenderse. Un suceso como el que se avecina puede terminar por trastocar una convivencia llena de artificio y en donde la podredumbre moral es la reina de la fiesta, una ciudad y una comunidad sostenida por una figura ética asentada en una ley propicia a la vulnerabilidad y a la violencia.
El período de finales de los 60, con sus amplitudes y esperanzas libertarias, especialmente sexuales, es avistado también con perspicacia mediante intercambios, deseos pedófilos, guateques llenos de deseos orgiásticos y revólveres liberadores.
Escenas magníficas como la del apaleamiento del sheriff son parte destacada de un título antirracista y anticlasista, conducido con buen pulso por parte de un Arthur Penn en plena forma.
Extenso y soberbio reparto entre los que destacan Marlon Brando, Robert Redford (a pesar de su aseada vestimenta e impecable peinado, impropios de un presidiario fugitivo), James Fox, Jane Fonda y Robert Duvall.
Su mirada inquietante le convierte en el actor ideal para interpretar a peligrosos perturbados. Conocido por sus fiestas locas, y porque sus abusos del alcohol y de las drogas han estado a punto de conducirle al cementerio, Dennis Hopper es un hombre polifacético, que ejerce como fotógrafo y pintor. No sólo ha interpretado papeles inolvidables en dos centenares de títulos, sino que también ha destacado como guionista y director.
Nacido el 17 de mayo de 1936 en Dodge City (Kansas), Dennis Lee Hopper estaba muy interesado en todas las facetas artísticas desde niño, cuando hacía sus pinitos con la pintura, pero también anhelaba convertirse en actor. A los 19 años ya participaba en series televisivas, con pequeños papeles en series como Medic. Fue el maestro Nicolas Ray quien le ofreció la oportunidad de debutar en la pantalla grande, primero con una pequeña interpretación sin acreditar en el westen de culto Johnny Guitar, después con un papel algo mayor en Rebelde sin causa. El protagonista, James Dean, volvió a coincidir con él en Gigante, y se convirtió en un gran amigo de Hopper, que después de su prematura muerte sufrió un trauma, e intentaba adoptar su estilo de vida e imitarle en todo. A consecuencia del shock, empezó a tener problemas serios con el alcohol, y llegó a montar fiestas salvajes con el entonces jovencísimo Elvis Presley.
Tras un pequeño papel como forajido en Duelo de titanes, Hopper interpretó a Napoleón Bonaparte en La historia de la humanidad. A pesar de su talento, era un joven conflictivo y rebelde que llegó a desesperar a Henry Hathaway, a cuyas órdenes rodaba Del infierno a Texas. Al parecer, el veterano Hathaway tuvo que repetir más de ochenta veces una toma porque Hopper insistía en poner en práctica las técnicas que había aprendido esos días en el Actor's Studio, donde se había matriculado. Desesperado porque no seguía sus pautas, Hathaway llegó a gritarle y juró que se ocuparía personalmente de que no volviera a trabajar en el cine.
Durante prácticamente una década, Hopper estuvo exiliado de Hollywood, y se refugió en series como Bonanza o En los límites de la realidad y en películas de serie B como El viaje, de Roger Corman, un film psicotrópico sobre adictos al LSD que contaba con un guión escrito por Jack Nicholson. Además, durante esta época, probó fortuna como pintor y fotógrafo y se hizo amigo del artista Andy Warhol.
A mediados de los 60, Hopper regresó a Hollywood, donde se habían olvidado de que era un actor conflictivo. Primero consiguió pequeños papeles en La leyenda del indomable y Cometieron dos errores. Hathaway se reconcilió con él, pues le dio un papel destacado en Valor de ley, protagonizada por John Wayne, actor que dejó mucha huella en Hopper, a pesar de algún pequeño enfrentamiento. El mismo año en el que rodó ese western, 1969, Hopper sorprendía a propios y extraños con un film que cambiaría para siempre los cimientos de Hollywood, Easy Rider, su debut como director. Esta legendaria 'road movie' supone un exhaustivo retrato de la generación de mayo del 68 y la guerra de Vietnam. Peter Fonda y el propio Hopper interpretaron a los protagonistas, dos tipos que viajaban en moto a Nueva Orleans para celebrar el carnaval. Por el camino se encuentran a personajes curiosos como el que interpreta Jack Nicholson. El film triunfó en las carteleras, y los productores de Hollywood trataban de imitar la fórmula, en busca de películas de presupuesto tan bajo como Easy Rider que pudieran triunfar entre el público joven. Y sin embargo, la vida de Hopper se fue al traste por culpa de sus excesos, ya que se había pasado todo el rodaje drogado, lo que provocó que su esposa, la actriz Brooke Hayward (Seis grados de separación), le pidiera inmediatamente el divorcio. A continuación estuvo casado con Michelle Phillips, cantante de The Mamas & The Papas durante sólo 8 días, tras los cuales se volvió a divorciar. Tres esposas más completan la azarosa vida sentimental del actor.
Tras el éxito de Easy Rider, Hopper obtuvo un presupuesto holgado para rodar The Last Movie, un film sobre un desastroso rodaje en el que muere un especialista. Pero el rodaje real en Perú fue aún peor, pues Hopper no paraba de organizar fiestas brutales en el hotel, donde se consumían todo tipo de drogas, hasta el punto de que el gobierno de Perú decidió detener el rodaje. The Last Movie fue un fracaso en taquilla, y Hopper se vio condenado a un nuevo exilio, esta vez en Europa. Allí rodó El otro lado del viento, un film de Orson Welles que nunca llegó a estrenarse, y también realizó una modélica interpretación de Tom Ripley, asesino creado por Patricia Highsmith, en la obra maestra de Wim WendersEl amigo americano.
Francis Ford Coppola le llevó consigo a Filipinas para interpretar al desquiciado fotógrafo que sigue al coronel Kurtz en Apocalypse Now, y posteriormente le dio un papel en La ley de la calle. Con una filmografía tan sólida, y un enorme prestigio entre la crítica, se podría pensar que a Hopper se lo rifaban los grandes directores, pero en realidad huían de él pues sus abusos con las drogas asustaban a los realizadores incluso en Hollywood, donde habían visto de todo. Después de llegar a autolesionarse, porque aseguraba que oía gritos en su cabeza, fue ingresado en una clínica de Los Ángeles y decidió que había llegado el momento de intentar superar sus múltiples adicciones.
David Lynch le ofreció un papel que le iba al pelo en Terciopelo azul, donde era el sádico gángster Frank Booth, que atormentaba a una cantante interpretada por Isabella Rossellini. Con este trabajo y su brillante interpretación de un ex alcohólico en Hoosiers (Más que ídolos), Hopper inició una nueva etapa más madura en la que se integró en el cine de los grandes estudios. Rodó títulos como Extraño vínculo de sangre -debut como director de Sean Penn- o Amor a quemarropa, e incluso apareció en típicas películas para todos los públicos del mainstraim, como Speed -donde fue un brillante malvado-, Waterworld, Vaya par de idiotas, o El último voto. No abandonó del todo la televisión, pues protagonizó series como Crash, basada en el film de Paul Haggis, ni tampoco la dirección, pues fue el responsable de la interesantísima Colors (Colores de guerra) -sobre dos policías que viven una guerra de bandas juveniles en Los Ángeles-, entre otros títulos desiguales.
Juan Luis Sánchez
Dennis Hopper (Sumo) Shafrazi, Tony Taschen 546 Pág. 33 x 44 cm tapa dura y caja. Plurilingüe 978-3-8365-0057-9 9783836500579 $ 568.800
Los muchos mundos de Dennis Hopper
Un icono reacio a serlo captura una década de transformación cultural
La Edición de Coleccionista está limitada a 1.500 ejemplares numerados, cado uno firmado por el fotógrafo.
"Estaba haciendo algo que pensaba que podría tener cierto impacto algún día. En muchos sentidos, son realmente estas fotografías las que me mantuvieron activo creativamente." —Dennis Hopper
En los años 1960, Dennis Hopper llevaba una cámara a todas partes: a los platós y los exteriores de filmación, a las fiestas, cenas, bares y galerías, al conducir por la carretera y al marchar en manifestaciones políticas. Fotografió a ídolos del cine, estrellas del pop, escritores, artistas, novias y completos desconocidos. Por el camino captó algunos de los momentos más interesantes de su generación con una visión aguda e intuitiva. Un icono a su pesar en el epicentro de la agitación cultural de esa década, Hopper documentó a aquellos como Tina Turner en el estudio, Andy Warhol durante su primer espectáculo en la Costa Oeste, Paul Newman en el plató y Martin Luther King a lo largo de la Marcha por los Derechos Civiles de Selma a Montgomery, Alabama.
En muchos sentidos, esta obra es la fotografía como película, una narración apasionante expresada mediante una serie de imágenes descarnadas: las tomas tempranas de corridas de toros en Tijuana, happenings en Los Ángeles y escenas callejeras muestran una libertad experimental que se traduciría en la vívida imaginería cinematográfica de Easy Rider (o Buscando mi destino) y más allá.
A partir de una selección de fotografías recopiladas por Hopper y el galerista Tony Shafrazi —más de un tercio de ellas nunca antes publicadas—, este exhaustivo volumen destila la esencia de la brillantemente prodigiosa trayectoria fotográfica de Hopper. También incluye ensayos introductorios de Shafrazi y el legendario pionero del arte de la Costa Oeste Walter Hopps y una extensa biografía por la periodista Jessica Hundley. Con extractos de las entrevistas de Victor Bockris a los famosos modelos, amigos y familia de Hopper, este volumen es una exploración sin precedentes de la vida y la mente de una de las personalidades más fascinantes de Estados Unidos.
Sobre la fotógrafa / el fotógrafo: Dennis Hopper (n. Dodge City, Kansas, 1936) es un aclamado artista, actor, guionista y director que impresionó al público por primera vez con sus interpretaciones en Rebelde sin causa (1955) y Gigante (1956). Cambió el rostro del cine norteamericano con Easy Rider (o Buscando mi destino) [1969], la cual coescribió, dirigió y estelarizó. Hopper actuó en cientos de películas y espectáculos televisivos memorables, incluyendo Apocalypse Now (1979), Blue Velvet (o Terciopelo azul) [1986], Hoosiers (o Más que ídolos) [1986], True Romance (o Amor a quemarropa, o Escape salvaje) [1993], Basquiat (1997), Elegy (2008) y la serie de TV Crash (2008). Hopper comenzó a pintar de niño y empezó a tomar fotos en 1961, después de que su entonces esposa Brooke Hayward le regalara una cámara Nikon de 35mm por su cumpleaños. Sus pinturas y fotografías han sido exhibidas en todo el mundo, incluyendo la reciente retrospectiva "Dennis Hopper y el Nuevo Hollywood" en París. Vive y trabaja en Venice, California, con su esposa Victoria Duffy y sus tres hijos, Marin, Ruthanna y Henry.
Sobre los autores colaboradores: Un inglés que se trasladó a Nueva York en 1973 y entró en contacto con Andy Warhol, la Factory e Interview, Victor Bockris ha escrito libros sobre Lou Reed, Andy Warhol, Keith Richards, William S. Burroughs, Patti Smith y Muhammad Alí.
Walter Hopps (1933-2005) fue uno de los comisarios líderes del arte del siglo XX. Cofundador de la galería Ferus en Los Ángeles y director del Museo de Arte de Pasadena, fue responsable de las primeras retrospectivas de Kurt Schwitters, Joseph Cornell y Marcel Duchamp. Un defensor clave del arte pop estadounidense, su estudio de 1962 "New Painting of Common Objects" fue el primero de su clase. Tras dirigir la Galería de Arte Moderno de Washington, emprendió la construcción del museo de la Colección Menil en Houston y se convirtió en su director fundacional en 1987.
Una cineasta y una periodista de arte, música y cine publicada con frecuencia, Jessica Hundley ha dirigido varios documentales y ha completado recientemente su segundo libro, una biografía de la leyenda del country-rock Gram Parsons.
Sobre el editor y autor: Nacido en Abadán, Irán, de padres armenios, Tony Shafrazi estudió en Inglaterra desde los 13 años, graduándose del Royal College of Art en 1967. Establecido en Nueva York en 1969, expuso como artista conceptual por toda Europa y en Nueva York. De 1974 a 1978 asesoró y ayudó a formar una destacada colección al Museo de Arte Contemporáneo de Teherán. En 1979 abrió su galería en Nueva York, en la que presentó artistas norteamericanos de avanzada de los años 1980, incluyendo a Haring, Basquiat, Scharf, Brown y Baechler, mientras exhibía maestros de los 1960: Warhol, Ruscha y Hopper. Desde 1990 expuso la obra de Brian Clarke, Patrick Demarchelier, Robert Williams, Michael Ray Charles y David LaChapelle. Desde 1997 ha representado el Patrimonio de Francis Bacon y continúa montando muestras con calidad de museo, entre las más recientes la aclamada por la crítica "¿Quién teme a Jasper Johns?".
Katharine Houghton Hepburn nació el 12 de mayo de 1907 en Hartford, Connecticut (Estados Unidos), en el seno de una familia de clase alta de talante liberal. Su padre, llamado Thomas, era cirujano, mientras que Katharine, su madre, trabajaba como abogada y activista por los derechos de la mujer. Katharine era la segunda de seis hermanos, que crecieron por influencia de sus padres de manera independiente y atlética, ya que su padre era fanático del ejercicio físico. Estaba muy unida a su hermano mayor Tom, protegiendo ambos con recato a sus cuatro hermanos pequeños, Dick, Bob, Marion y Peg. Cuando Tom murió fortuitamente a la edad de quince años a causa de un accidente, la futura actriz, que contaba con trece, quedó totalmente destrozada, ya que era una niña muy apegada a la familia y hasta cierto punto huraña, de gran timidez, que solía evitar la presencia de las demás muchachas.
Por esta razón, sus padres le procuraban una enseñanza particular accesoria debido a sus contínua falta de asistencia a las aulas. Cuando creció y superó estos traumas infantiles, Katharine estudió interpretación en la Bryn Mawr College de Filadelfia, en donde comenzó a participar en teatro.
De allí pasó a Broadway, interviniendo en varias producciones teatrales antes de debutar en el cine en la RKO y al lado de John Barrymore con "Doble sacrificio" (1932), película en la cual coincidiría con uno de sus directores favoritos, George Cukor.
En 1928 contrajo matrimonio con Lodlow Odien Smith, de quien se divorciaría en 1934. El papel debut de la actriz de Connecticut ya mostró la gran capacidad interpretativa de Katharine, quien continuaría protagonizando una serie importante de títulos que la afianzarían en el estrellato. Con "Gloria de un día" (1933) de Lowell Sherman, lograría su primer Oscar de Hollywood, apareciendo también en esta primera etapa en peliculas significativas como "Mujercitas" (1933) de Cukor, "Sangre gitana" (1934) de Richard Wallace, film en el que Hepburn incorporaba a la gitana del título en castellano -en versión original se denomina "The little minister"-, o "Sueños de juventud" (1935), film dirigido por George Stevens por el que volvió a ser nominada al Oscar pero esta vez sin conseguir el Galardón, que fue a parar a manos de Bette Davis por "Peligrosa".
Katharine Hepburn era enemiga de la sofisticación y el glamour existente en Hollywood y su caracter autónomo y progresista le impedía asistir a eventos publicitarios y hacer el paripé fuera de los platós, hecho que enfurecía a sus productores y que no terminaba de contentar al público de la época.
Por eso, y por los flojos resultados comerciales de sus películas, fue conocida en los siguientes años como "veneno para la taquilla". La actriz regresó a la escena neoyorquina, compaginando esas actuaciones teatrales con el cine.
A pesar de su mala popularidad por esa época, sus películas continuaba ofertando una gran calidad artística. En una de ellas conoció a otro actor (aún no estrella) que sería su partenaire en una serie de excelentes títulos: Cary Grant.
Su primera colaboración conjunta sería "La gran aventura de Silvia" (1935), película en la cual Katharine volvió a ser dirigida por George Cukor. Por esta época comenzó una relación con el productor y director Howard Hughes. Con Cary compartió créditos de nuevo en la obra maestra de la "screwball comedy", "La fiera de mi niña" (1938), realizada por Howard Hawks, en "Vivir para gozar" (1938), una deliciosa comedia de Cukor, quien también fue el encargado de dirigir "Historias de Filadelfia" (1940), obra que Katharine ya había interpretado en Broadway y que contaba con el atractivo añadido de incorporar a otro de los grandes actores de la historia del cine, James Stewart quien ganaría el Oscar por su actuación.
Katharine volvió a ser nominada, siendo la ganadora en esta ocasión Ginger Rogers por "Espejismo de amor". Otros títulos importantes en este período fueron "María de Escocia" (1936) de John Ford o la magistral "Damas del teatro" (1937), película realizada por Gregory La Cava. También intentó ser elegida para encarnar a Scarlett O'Hara en la producción de David O. Selznick, "Lo que el viento se llevó". Obvia decir que no fue elegida....era "veneno para taquilla". Tras "Historias de Filadelfia" (1940), Katharine Hepburn se reconcilió con su público y éste volvió a llenar las salas para ver a la extraordinaria actriz. Los años 40 supusieron el comienzo de una relación profesional y sentimental con el hombre de su vida, el actor Spencer Tracy.
"La mujer del año" (1942) de George Stevens -con nueva nominación al Oscar- fue el primer encuentro de la pareja que continuaría en ocho ocasiones más: "La llama sagrada" (1942) de George Cukor, "Sin amor" (1945) de Harold S. Bucquet, "Mar de hierba" (1947) de Elia Kazan, "El estado de la Unión" (1948) de Frank Capra, "La costilla de Adán" (1949) de Cukor, "Pat and Mike" (1952) otra vez dirigidos por Cukor, "Su otra esposa" (1957) de Walter Lang y "Adivina quien viene esta noche" (1967) de Stanley Kramer, película por la cual Katharine consiguió de nuevo el Oscar de Hollywood.
Poco después de concluir el rodaje de este último título, Tracy fallecería y por esta triste razón Katharine Hepburn nunca querría ver la película. En la década de los 50 coincidiría bajo las órdenes de John Huston con Humphrey Bogart para protagonizar "La reina de Africa" (1951), film por el que Katharine volvería por enésima vez a ser nominada al Oscar, premio que logró Bogie por su excepcional trabajo. Por esa época, una Hepburn más madura fue dispersando sus trabajos cinematográficos. Excelentes películas como "Locuras de verano" (1955) de David Lean, "El farsante" (1956) de Joseph Anthony y "De repente, el último verano" (1959) dirigida por Joseph L. Mankiewicz, volvieron a recibir el aplauso de crítica, público y compañeros de profesión, con tres nuevas nominaciones de la Academia.
Los agitados años 60 fueron para ella bastante tranquilos a nivel profesional, aunque personalmente fueron bastante duros debido al progresivo empeoramiento en la salud de Spencer Tracy. Aún así apareció en títulos como "Larga jornada hacia la noche" (1962) de Sidney Lumet, que le trajo otra nominación adjunta al Oscar, la citada "Adivina quien viene a cenar esta noche" (1967) , actuación por la que ganó el Oscar, estatuilla que volvería a conseguir un año después por su colaboración en "El león en invierno" (1968), una película histórica dirigida por Anthony Harvey y co-protagonizada por Peter O'Toole.
En los siguientes decenios trabajó para la televisión y esporádicamente para cine, destacando su protagonismo en "En el estanque dorado" (1981), una película realizada por Mark Rydell. Obtuvo el Oscar a la mejor actriz y su compañero de reparto Henry Fonda (al borde de la muerte) ganaría el premio a la mejor interpretación masculina. Posteriormente aparecería de nuevo en la pequeña pantalla y en producciones sin interés, como "Un asunto de amor" (1994), una reciente versión de "Tu y yo" llevada a cabo por Warren Beatty en 1994 que supuso su última aparición en el cine. Katharine Hepburn contrajo matrimonio con Ludlow Ogden Smith en 1928, divorciándose en 1934. Posteriormente viviría con Spencer Tracy desde 1940 hasta el fallecimiento de éste, con el que nunca llegó a casarse. Aquejada de la enfermedad de Parkinson, vivía retirada en Old Saybrook, localidad sita en su estado natal, Connecticut, en donde falleció el 29 de junio del año 2003 a la edad de 96 años.
Nació en Hartford, estado de Connecticut en 1907. Pertenecía a una familia descendiente de colonos del Mayflower y hasta tenía sangre real en sus venas. Su padre era ginecólogo y fue el que la educó. Su madre, Katharine Houghton, era una decidida sufragista muy activa en su comunidad y que luchó por el reconocimiento de las prostitutas. Hepburn se crió en un ambiente libre y tolerante, lo cual marcaría su carácter. Practicó desde muy pequeña muchos deportes y según cuenta en su autobiografía, un verano se cortó el pelo y se hizo llamar Jimmy, y según se define ella misma, fue un «marimacho».
Siendo muy joven, Hepburn recibe un duro golpe: su hermano Tom de 14 años, a quien ella estaba muy unida, se suicida ahorcándose en Nueva York durante una visita a un familiar: esto la convierte en una joven retraída y poco comunicativa. Deja los estudios en la escuela y da clases con su madre en su casa.
Inició sus estudios de Filosofia en el Bryn Mawr College, lugar donde comienza sus actuaciones teatrales. Cuando los termina en 1928 decide dedicarse de lleno a la interpretación. Tiene pequeños papeles en obras como La Zarina donde hace una sustitución y viaja a Nueva York donde toma clases de dicción con la antigua cantante Frances Robinson Duff. En 1932 tiene un enorme éxito con la obra teatral The warrior's husband, una fábula griega. Ese mismo año es requerida por el cine y protagoniza para la RKO la película Doble Sacrificio, junto a John Barrymore y dirigida por quien sería uno de sus más íntimos amigos, George Cukor.
Protagoniza Hacia las alturas en la que interpreta a una piloto, muy inspirada en la figura de Amelia Earhart. En 1933 gana su primer Óscar por interpretar a una actriz provinciana que va a buscar gloria en la gran ciudad, en Gloria de un día. En 1934 gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Venecia por su interpretación en Las cuatro hermanitas, donde interpretó a Jo March, en la versión de George Cukor del clásico Mujercitas.
Katahrine Hepburn en La cantina de Hollywood (1943).
Sus siguientes películas, Sangre gitana (en la que interpreta a una gitana irlandesa) y el gran clásico de la screwball comedyLa fiera de mi niña, son un rotundo fracaso y las productoras la bautizan como «veneno para la taquilla» como a Fred Astaire, Joan Crawford, Dolores del Río y Marlene Dietrich.
Protagoniza junto a las Chicas de la RKO la peícula Damas del teatro, que es nominada a varios Óscar pero no asienta totalmente a Hepburn. En 1933 y tras el éxito de Gloria de un día, se embarca en la obra teatral The Lake, de la que sale muy mal parada.
Vuelve a Connecticut con su familia y regresa triunfante al teatro en Broadway con la comedia Historias de Filadelfia, que en 1940 es adaptada para el cine y protagonizada por ella, James Stewart y Cary Grant, y que la devuelve a la palestra cinematográfica. El guión de Historias de Filadelfia fue un regalo del magnate Howard Hughes, su pareja entonces.
En 1942, protagoniza junto a Spencer Tracy, con quien mantuvo una relación sentimental hasta la muerte del actor, la comedia La mujer del año en la que hace gala de su plurilingüismo hablando francés, ruso y español. Hepburn y Tracy harían 9 películas en común. Durante los años 40 protagoniza varias películas junto a Tracy: Sin amor dirigida por George Stevens o Mar de Hierba de Frank Capra, con Angela Lansbury. En 1949, protagoniza junto a Tracy La costilla de Adán que narra las situaciones en las que un matrimonio de abogados se pone cuando se enfrentan en un tribunal. En 1951 rueda junto a John Huston y Humphrey BogartLa reina de África, otro gran clásico. En 1952 realiza en Venecia y dirigida por David Lean Locuras de Verano, en la que encarna a una solterona secretaria de vacaciones que descubre el amor. Durante todos los años 50, Hepburn realizó numerosas obras de teatro, entre ellas Como gustéis y El mercader de Venecia de William Shakespeare y La Millonaria de George Bernard Shaw.
A partir de ahí, se especializa en adaptaciones cinematográficas de obras teatrales, como Larga jornada hacia la noche de Eugene O'Neill, en la que interpreta con maestría a una morfinómana metida en una familia rota y por la que gana el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes. Tras cinco años de parón, en los que cuida a un cada vez más enfermo Tracy, reaparece junto a él en su último film juntos Adivina quién viene esta noche, tras la que Tracy muere. Hepburn gana, por este film, su segundo Óscar; muchos dicen que no le concedieron a Hepburn ese Óscar por su interpretación -magnífica por otra parte- sino como agradecimiento por haber cuidado tantos años de Tracy. En 1968 interpreta a Leonor de Aquitania en El león en invierno y gana su tercer Óscar, compartido con Barbra Streisand por Funny Girl.
En el año 1969 Hepburn realiza uno de sus papeles más recordados en el teatro. Protagoniza Coco, musical de gran éxito inspirado en la vida de la diseñadora de moda Coco Chanel. Hepburn grabó un álbum con las canciones del musical que vendió numerosas copias. Cansada de este duro trabajo diario dejó la función. Su rol fue asumido con solvencia por la actriz y cantante francesa Danielle Darrieux.
Ya en los años 70, Hepburn realiza papeles importantes en más adaptaciones a la pantalla de clásicos teatrales, como el de la Condesa Aurelia en La loca de Chaillot de Jean Giraudoux y el de Hecuba en Las troyanas de Eurípides junto a Irene Papas y Vanessa Redgrave. Encarna a Eula Goodnitgh en El rifle y la biblia, un film del Oeste junto a John Wayne y cuyo argumento se parece demasiado al de la exitosa La reina de África. Interviene en Un balance delicado con Paul Scofield y dirigida por Anthony Harvey y en la obra de teatro filmada El zoo de cristal.
Realiza además algunos trabajos para televisión, y dirigida por George Cukor protagoniza Amor entre ruinas con Laurence Olivier y por la que gana un premio Emmy, además de El trigo esta verde. En 1981, Hepburn interviene en la romántica En el estanque dorado junto a Henry Fonda y por el cual gana su cuarto Óscar.
Sus últimos papeles en el cine son el de La última solución de Grace Quigley en el que interpreta a una anciana que contrata a un sicario, Nick Nolte, para matar a sus amigos que ya sufren los achaques de la edad y el de la anciana tía Ginny en la película de Warren Beatty, Un asunto de amor. A partir de ahí Hepburn realiza pequeñas películas para televisión que la mantienen en activo pero una vez su estado de salud se agrava se retira a Connecticut.
Casada con Ludlow Ogden Smith, se divorció de él en la década de los 30 y mantiene relaciones con John Ford, que la dirigió en María Estuardo, con su agente Leland Hayward y con el magnate Howard Hughes mantiene una relación amistad-amante.
En 1942 conoce a Spencer Tracy, del que no se separaría hasta su muerte en 1967. Hepburn y Tracy mantuvieron esta duradera relación sin casarse, pues Tracy, que era católico, no quiso separarse nunca de su esposa.
Aunque muchos dijeron que Hepburn padecía la enfermedad de Parkinson, ella siempre lo negó diciendo que era una herencia de su abuelo, al que también le temblaban las articulaciones y la cabeza. Hepburn padeció también de pequeños cánceres en su piel y en sus últimos meses, un tumor en el cuello se le agravó.
Katharine Hepburn publicó su autobiografía en el año 1991 con el título en español Yo misma, historias de mi vida. Hepburn ya había publicado con gran éxito un cuaderno de viaje del rodaje de La Reina de África con el largo título Cómo viajé a África con Huston, Bogart y Bacall y casi pierdo la razón. La vida de Katharine Hepburn ha dado numerosas biografías como Recordando a Kate del estadounidense A. Scott Berg, ganador del premio Pulitzer, en la que cuenta la amistad que le unió con la actriz durante 20 años.
Katharine Hepburn tuvo una sólida carrera teatral. Comenzó a dar sus pasos en el mundo de la actuación en Broadway en obras como Night Hostess y These days.
Tiene un gran éxito con The Warrior's husband, una obra inspirada en Lisístrata. Una vez triunfa en Hollywood, se decide a protagonizar The lake, obra con la que no está contenta y que finiquita con 15.000 dólares.
Tras unos fracasos en el cine vuelve al teatro y protagoniza Jane Eyre e Historias de Filadelfia, que la catapulta de nuevo a la fama en su carrera como estrella de cine gracias a su adaptación cinematográfica.
Tras varios años en la primera plana de la palestra cinematográfica y con algunos problemas con Spencer Tracy, Hepburn vuelve al teatro en la década de los 50. Protagoniza Como gustéis, Mucho ruido y pocas nueces, El mercader de Venecia y Antonio y Cleopatra, y realiza una gira que la lleva a Australia, Stratford y Estados Unidos. Triunfa con crítica y público con La millonaria.
Vuelve al cine y tras ganar dos Óscar, se mete en el papel de la diseñadora francesa Coco Chanel en el musical Coco por el que es nominada al Premio Tony. Hepburn no está muy convencida de la obra pero hace multitud de representaciones llenando siempre los teatros de Broadway. En 1981 protagoniza The West Side Waltz por la que es nominada al Tony.
Hepburn nunca vio "Adivina quién viene esta noche" por ser la última película de Spencer Tracy.
Jane Fonda, con la que intervino en "En el estanque dorado", comentó en una entrevista, que le había preguntado a Miss Hepburn el porqué de su cabezonería al no ver sus tomas una vez filmadas, Hepburn contestó divertida, "Llegó un momento en que no me fijaba en la actuación, sino donde estaba mi cuello o como estaba mi cara"
Cuando Hepburn se enteró del interés en hacer un biopic sobre su vida, apostó por Vanessa Redgrave para hacer de ella misma.
Glenn Close era la actriz teatral que menos le gustaba, de ella decía que "tenía unos enormes y gordos pies", Meryl Streep era su actriz menos querida de la pantalla. "Clic, clic, clic" decía Hepburn, en una clara parodia a la forma de actuar de Streep.
Mientras rodaba "La Reina de África", Hepburn, como el resto del equipo excepto Humphrey Bogart y John Huston que prácticamente sólo bebían alcohol, tuvo unos enormes dolores estomacales y náuseas. En la escena principal, cuando Hepburn toca el órgano en la iglesia y su hermano, el reverendo da el sermón, la actriz tuvo siempre un cubo cerca, para poder vomitar entre toma y toma. Era tal su palidez que el director de fotografía del film, Jack Cardiff, temió que su piel saliera verde.
Para el rodaje "La gran aventura de Silvia", Hepburn tuvo que vestirse de hombre la mayoría del film, recibió muchas críticas por tener que besar a una mujer. Esto contribuyó a aumentar los rumores sobre su ambigüedad sexual.
Hepburn no tuvo grandes problemas de convivencia con Spencer Tracy en los casi 30 años de relación, aunque en su biografía apuntaba que éste le había pegado en una ocasión, sin que ella se lo recordara nunca.
Muchos empleados de hoteles pueden recordar a Hepburn adormilada ante la habitación de Tracy, esperando a que éste se levantara para ayudarle.
Miss Hepburn no acudió nunca a la gala de entrega de los Prémios Óscar salvo en 1974. Hepburn vestida con un pijama en protesta por la banalidad de los Premios, entregó el Premio Irving Thalberg.
Los 4 Óscar ganados por Hepburn fueron donados al Empire State Building de Nueva York. Hepburn admitió siempre que, si no iba a recogerlos, no debía tampoco tenerlos.
Hepburn escupió a los pies de Joseph Mankiewicz, el director de "De repente, el último verano" por el pésimo trato que le daba debido a la enorme displicencia que éste tenía con la otra protagonista, Elizabeth Taylor.
De Montgomery Clift dijo que estaba "como una regadera", por su extravagante comportamiento.
Hepburn iba a protagonizar "Viajes con mi tía" con George Cukor como director, pero los cambios que exigía hicieron que fuera despedida y contratada Maggie Smith para ese papel.
Judy Garland, fue ayudada en sus recaídas con las pastillas por Miss Hepburn.
De Spencer Tracy dijo que era "básico, como una patata asada"
De ella dijeron, entre otros, Frank Capra, "Hay mujeres y luego está Kate" o Spencer Tracy, "Kate tiene poca carne, pero la que tiene es de mucha calidad"
Hepburn fue nombrada la mejor actriz de la historia por varias revistas.
La revista Esquire, la incluyó entre las 50 personalidades más influyentes del siglo XX.
